作品初稿设计

作品名称:《被留在原地的希望》

主题:末世·疫情·封闭·希望·光明

作品形式:装置&雕塑

作品材料(未定):泥塑、水泥、假花、苔藓、纸板、LED灯等

作品介绍:我们蜷缩在残破的隧道中,不安地等待着来自外面的消息,我们很清楚外面的情况,这场疫情改变了很多事情,现在能做的只有祈祷与相信,相信隧道的尽头是一片光明。逐渐地,看到了一丝光明,为了后来走过这条路的人,我们将希望留在原地,迈步向前。

灵感来源:之前在墨文的课上,我们进行了一次发散的即兴创作。在创作途中,我选中了花瓣、泥塑,蒸汽,世界这四个词,我想出了以下的场景:

我其实挺喜欢末世的那种感觉,在末世突然出现不合时宜的花什么的,在我看来很美丽又神秘莫测,花之所以会有一个玻璃罩罩在上面,我也参考了小王子中的场景。考虑到这次的主题为家中,我便大胆的用上次的灵感来规划初稿。

作品后期场景展现:(一切仅供想象)

在一个昏暗的隧道里,一枚要亮不亮的灯泡发出浑浊的光,在灯光照耀下,有一个表面模糊不清的玻璃罩放在地上,隐约可以看见里面盛开着一朵花。从玻璃罩的四周逐渐生长出嫩绿色的草和苔藓,这本是不可能的事,植物们向着隧道尽头生长,在地上勾勒出一对向着前方走去的脚印,隧道的尽头隐约发出微弱的光芒……

艺术家与他们的作品们

5位艺术家:
安尼施•卡普尔(艺术家)
莎拉•卢卡斯(艺术家)
戴帆(设计师)
马修•巴尼(导演)
杰夫•昆斯(艺术家)

安尼施•卡普尔:

Kapoor的作品往往以简洁弧线的方式出现。配以简单,鲜明的色彩。他早期的作品常常以彩色粉末的方式出现,这些粉末以不同的造型出现,这种做法的灵感来自于印度市场和寺庙里常出现的彩色粉末推出的小丘。卡普尔早期的颜料雕塑,比如他1982年完成的作品“白色的沙,红色的谷粒,和很多花”就是这一类型创作的体现。Kapoor随后的作品开始更多的运用固体,石头类雕塑作品上往往有孔径和腔的体现,往往暗示物质与精神,光与黑暗,肉体和身心,男性和女性等双重意味。

Kapoor的作品常常出现鲜红色,红色对他有特别的感受,Kapoor说: “红色具有某种含蓄和主动的性征,这让我着迷,我总是想用红色创作作品”。“我一直在做的是表现这个世界里并不在场的一面,是一个幻想的空间,它来自于心智和灵魂的一面,用雕塑把感知到的这一面表达出来,这就是我一直试图在做的。”

“Svayambh“是Kapoor在2007年推出的作品,作品主体是一个1.5米的巨大红色蜡块,蜡块像车厢一样被安放在一个红色移动轨道上,这个红色蜡块以一种几乎感觉不到的速度移动。

“Svayambh”

”Svayambh“的外观让人是让人联想到火车车厢,Kapoor一直迷恋Andrei Konchalovsky的电影“逃亡火车”,在火车上,两名越狱的罪犯登上一列开往阿拉斯加的火车,结果他们就要成功的时候,火车车长病逝,车上只剩下一位女助手,他们被困在火车上,火车没有刹车,也没有人驾驶,三人在彼此身份透露之后,决定同舟共济,渡过难关,但追捕的警察赶到,这辆火车只能走向一个车毁人亡的前方。

“Svayambh”在梵语里是自我生成或者自动生成的意思。这个红色蜡烛块像是那面墙上产生出的一个1.5米高的裂块,一个自我生成的创伤。这个作品打开了一个另外的精神反射空间,用简单有力的方式实现了一种极具震撼的感觉,Kapoor说,“一个真实的物体往往能导致一个非物质的感受”, “Svayambh”营造出来的景象超出了眼见的范畴,进入了另外一个精神层面,这是现象和精神之间进行的对话。

他创作的不锈钢反射雕塑,以反映或扭曲观众和周围环境的“镜子”的形式出现。 如他创作的一系列命名为“非物体”的不锈钢作品,“非物体(门)”,“非物体(杆)”,和“晕眩”等作品都创作于2008年,卡普尔更愿意称呼自己的雕塑为“非物体”,他希望自己的作品体现出一种超常的状态,这个非物体的功能是艺术家对另一层次的空间和观念进行延伸的途径。

Kapoor作品受到观众如此的欢迎,有记者问Kapoor,是否“与人接触”和“作品摆放地点”是公共艺术的成功关键,对此,卡普尔回答说:“我思考那些像神话一样的世界建筑奇迹,比如巴比伦的空中花园和通天塔。似乎一个集体意志的东西总是会和个体产生共振,这感觉类似于神话。我把这个模式纳入了自己的思考方式。艺术可以实践那样的景况,我想占领一个领域,这个领域是一个由想法和思维方式贯穿起来而产生的一个对象。”

他的创作像是在这个世界找到一条缝隙,他总是试图进入这样一个未知的缝隙,占据这个领域。进入这个未知神秘领域的方式包括明暗,凹凸,反射,颜色等各种手段带来的暗示。比如他在常青画廊里展览的作品“升华”,观众们先从一个黑暗的甬道里进入,走过黑暗之后,突然进入了一个光明的地带,旋转幽暗的建筑通道尽头一掠青烟从地下升起,被上面的涡炉吸入,这时候占据人们的感觉是扩张和向上升腾的意外境界。

Kapoor说,我一直在做的是表现这个世界里并不在场的一面,是一个幻想的空间,它来自于心智和灵魂的一面,用雕塑把感知到的这一面表达出来,这就是我一直试图在做的。

他作为世界上最多产和最受尊敬的当代艺术家之一,卡普尔的创作根植于古印度哲学思想,将东方文化的精神内核与西方艺术观念熔铸一炉,在古老文明的当代转换中不断探索创新。他的许多作品介入不同的城市和文化空间,折射和反射着周边的景象,但又构建出崭新而奇异的景观。

总的来说,Kapoor的创作是形而上学的,超自然层面的探讨,涉及’物质和非物质,存在和消逝,空间和非空间等玄学问题。印度的哲学和宗教思考,结合西方艺术的形式和观念的表达,这两方面的合一造就了这位备受瞩目的艺术家。

莎拉•卢卡斯:

她利用多种媒介进行创作,比如摄影,拼贴以及雕塑等,并且把日常生活里的材料用于作品之中。她频繁地使用食物或是日常用品,作为一种对静物的隐喻。每幅作品中,卢卡斯都用可笑的场景来戏弄观众。她在性别主题上做文章,除了让观众重新审视自身对两性角色的看法以外,她也揭示了英式幽默里令人不安的东西。卢卡斯的作品具有某种自然状态下的活力,带着对峙的感觉,她常常对男性姿态进行一种滑稽模仿,使作品以其另类的幽默让观众觉得既有些气恼又感到好笑。

卢卡斯的另一个主要兴趣,是通过雕塑来延展这种自我表现力。她常常使用一些日常普通的材料,比如霓虹灯,家庭用品和香烟。而且名称也是构成作品含义的一个重要组成部分,如“Donkey-Kong-Diddle-Eye”(2000),这个名字结合了一个电脑游戏的名称和一首英国童谣里的拟声句,从一开始就表达了一种轻松愉快的氛围。作品的主题仍然是两性。一张沙发被分成了两部分,就像性别的分类一般,作品通过使用照明材料区分两性:一个双泡灯代表女性,一根霓虹灯管则代表男性。整个作品看起来就像是以贫乏的材料不经意间作成的组合,但实际上表达的却是对当前性别及其划分的一种看法,换句话说,它们坐落在沙发对立的两侧,从而表现了两性划分。同时这个作品也巧妙地映射了人们对大众媒体的屈服性,即人们很高兴待在家里,坐在沙发上看电视。

戴帆:

戴帆认为艺术是打破社会阶层固化与权力固化的促进者,但绝不是仅仅为了艺术本身。他通过一系列惊世骇俗的作品正冲击了着整个社会,对几千年来业已形成的人类标准表达了蔑视。在试图采取和传播另一种看待世界方法的过程中,戴帆将艺术、设计与特殊的政治观点形式结合在一起。

作为意识形态和文化工业的被灌输者,人们没有勇气采取行动挑战现状。无论是集权机器还是资本主义的力量如何麻痹群众,使群众逐渐远离文化的本质,远离人性的可能性,艺术与设计作为一种干预措施,作为对抗集权机器和资本主义强加给人们的错觉的一种手段,这是一个觉醒过程与艺术表现的混合体,希望能够将人们从昏睡中唤醒,从而促使他们对世界的看法发生动摇、转向甚至根本的转变。
所有的艺术本身都具有一种内在的面向外在强迫性的暴力维度,因为它被置于自然秩序的外部。

戴帆的工作涉及不同的领域和学科,他的探索倾向于努力在人们的意识中改变点东西,呈现出我们还可以享受的自由空间和我们还有什么可以被改变。
艺术是个人对世界发动的一场战争。价值的开端是关于命令的观念,在这个没有任何意义的世界上,人类赋予意义。

设计风格:
现在就是未来
“设计师应该是战士!”——戴帆。

戴帆是近年来崛起的中国新一代设计师的领军人物,先锋实验与商业设计的实践者,横跨建筑景观、室内空间、平面、广告、产品、网络等诸多领域,试图将设计带入“文艺复兴”般的前沿浪潮,代表着当今国际最前卫的设计思潮。他将“打破传统观念,重新定义设计”作为自己的信条。人类在思考和表达的时候 ,都要面对其所学习的传统语言模式的制约–“设计将解放你的心灵”;“设计刺激的不仅仅是视网膜,更重要的是改变视网膜后面3厘米处大脑神经的运行轨迹”。他以前所未有的视角,将设计带进了一个充满哲学意味与强烈的感官冲击并存,极端的、富有攻击性的领域。戴帆认为:设计就是哲学化的科学,需要不断实验,更需要观念的更新。戴帆的设计观念充满复杂的多样性。“思想赋形”——他以跨领域研究的方法作为思考和考察设计的维度,其打造的品牌成为了其行业的引领者而不是追随者。在设计领域并未得到表达,而在他所完成的项目中,商业与深刻性的概念取得了惊人的一致,戴帆的风格是积极鲜明的,他的大部分设计来自于颠覆性的观念,以凶猛的破坏性如*般的能量、强烈的动感、戏剧性和强烈效果的颜色、以及富有哲学般的组织逻辑,代表着无限的自由与*。

戴帆(DAI FAN)的设计充满了前卫、尖锐、富有挑衅性而又人文关怀的精神,他的设计为传统的中国设计带来了划时代的启迪。可感染的极富冲击力的极端情绪和精神发泄。冷酷而极度华丽的、*张力和醉生梦死的空间,死亡的气息和先端的武器交相辉映,感受现代的冷酷和绝情。戴帆相信设计可以像涡轮一样驱动人们的思想引擎。迫使人们展开不同的思维认知。他设计中的暴戾节奏,让无数年轻人为之着迷.他难以理解的思想,也被很多人所模仿,包括他那招牌式的设计风格和颜色,都成为了一些人疯狂膜拜和模仿的因素。

《一亿个机器人》

他既是一位多产的设计师,也是荣获最多设计奖项并且多年连获大奖的设计师之一。在他年轻的设计生涯里,创作了许多别出心裁、令人耳目一新的作品。“你必须用全新的眼光来看我的设计。”他的设计作品非常的繁多,几乎囊括了设计的全部内容——从建筑设计到室内设计、家具设计、高技产品、服装设计、平面设计等。

于如此多样化的创造,戴帆(DAI FAN)希望他所有作品间能有一条线,连贯相同的精神和概念,这就是他所推崇的“超解放主义”。

马修•巴尼:

马修·巴尼是一位幻想与捏造大师,这在他的混合装置、行为艺术的照片和风格特立的录像作品中都得到了体现。艺术化的化妆、着装华丽的模特、难以确定形状的合成物质、由凡士林做成的油腻腻的物体、呼啸而来的赛车更有那头 上长着角的色情狂。

马修·巴尼是美国九十年代最有创作活力的艺术家之一。他的作品混合了表演、摄影、录像、装置和电影等语言形式,他的作品一般以极其漂亮、时髦的视觉构图和色调为风格,是继安迪·沃霍尔、杰夫·昆斯之后又一位使用新潮视觉的天才。但和前辈相比,马修·巴尼的视觉多了一层神话色彩。在他众多的作品中,他广泛使用了各种艺术媒介手段,但最具有代表性的是他从九四年开始拍摄的电影短片系列《悬丝》。其中最出色的三部是《悬丝4》(1994)、《悬丝1》(1995/96)、《悬丝5》(1997)。这个电影短片系列每集半小时左右,没有完整的故事和对话,只有一些怪诞的情节片断、意象、声音和臆想的化妆、道具、场景和人物的造型。
他的作品涉及到很多领域,电影,雕塑,video,绘画,摄影,舞蹈,行为,化装,表演乃至医学里的,假肢,精神病理等领域,一句话,几乎现代艺术所存在的所有表现手段,他都有所涉及到,而且做了很好结合和运用。

马修·巴尼在画面上也刻意堆积和融会一些矛盾、分裂的视觉经验:机器赛车和自然的原野;怪诞的妄想和现实的失重,等等。虚无和压抑在一波一波漂亮、妄想、离奇和酷到极致的广告电影画面般的视觉冲击下迎面扑来,让你禁不住要为这酷得不能再酷的画面流泪、伤情。

《堡垒》剧照:

马修·巴尼创造了属于自己的视觉语言与叙事逻辑系统,将自己想要表达的关于生命、轮回、性、身体等等有关的主题,用超出常人想象的叙事方式讲述出来。
《悬丝》《重生之河》等影像作品以怪诞、分裂、激进著称,每每问世都因其惊世骇俗、前所未有的情节、画面、主旨引起轰动。

例如由5部长片组成的《悬丝》(Cremaster) 系列作品,题目中的悬丝一词原是医学名词,指的是男性生殖器官上的一处肌肉组织的名称,用于在睾丸受到外界刺激时,本能保护人类生殖,生命机体的分裂和维护其必要的平衡空间。马修·巴尼通过对这种人类生命本质的,原始机能的思考,来隐喻人类潜在生命,能力,极限,束缚等问题。同时他也暗喻美国社会现存制度社会下潜在的危险和种种奇诡的现象。
而之所以花费长达八年时间,围绕着这块肌肉进行创作,是因为巴尼从多年运动员的经历中感受到,人体肌肉极度拉扯,撕裂直至临界点舒展开来的过程,像极了艺术家创作的过程,同时也与人类生育的经历有着异曲同工之妙。他根据自己的身体经验,将性、创作、欲望、生命、轮回放在一起讨论。

《悬丝》没有完整的故事与对话,但充斥着各种臆想与与神话中的道具、场景与人物造型。阴森的坟墓、踢踏舞与精灵、覆盖着蓝色草皮的球场,表达他对于性欲、死亡和身体的迷恋与恐惧。

马修·巴尼喜欢“无序”,他利用“无序”创造了他的个人幻境,只有完整的审视他的这套系列作品,仔细注意每一件雕塑,每一部电影,每一张绘画作品后,我们才能够体会“无序”是怎样通过各种形式出现在我们现实生活里的?

在这之后,巴尼的下一部影像巨制《重生之河》有6小时之长,取材于作家诺曼·梅勒(Norman Mailer)的小说《古夜》(Ancient Evenings)。
小说原著讲述了一个古埃及贵族如何为追求永生,三次在妻子的子宫里重生的故事。

巴尼改写了这个故事,将主人公改为了小说诺曼·梅勒,以歌剧的形式讲述了主人公的三次重生,并将《重生之河》的背景放在了美国的三大城市:洛杉矶、底特律和纽约,试图将影片与美国的汽车工业历史串联起来。

这又是一次巴尼用自己独有的叙事与视觉语言组织出一个充斥着各种元素,但每一帧画面上都有着浓厚的个人印记的作品。电影中充满了暴力、荒谬、仿佛只属于臆想与异世界的镜头,被一些观众称为“引起生理不适的电影”。但巴尼对此毫不在乎,在他看来,这部电影的重要性在于“使他重新找回了对电影制作的兴趣”。

杰夫•昆斯:

应该说美国60年代蓬勃发展的波普艺术对昆斯产生了致关重要的影响,昆斯以满足、好奇甚至是玩乐的态度表现了光怪陆离的现代商品社会。80年代初,昆斯借鉴了杜尚的挪用与拿来主义,让精美的现代商品丝毫不损地转入艺术状态,他的放在有机玻璃罩中的吸尘器、悬浮的篮球,在看不懂中给人们带来不尽的遐想,至今让人记忆犹新。各种各样的商品、广告、卡通玩具不仅表现了多姿多彩的现代商品社会,也表现了现代人似孩童般无休止的消费欲望。昆斯成长于商品社会高速发展的美国,并有着虽然短暂却一生难忘的从商经历,因此,虽然同以大众商品为表现对象,与第一代波普艺术家的含蓄地批判精神不同的是,昆斯的作品充满了满足与自我陶醉。他有意打破了人们习惯了的美的标准,将最庸俗的大众图象以十分精致的手法表现出来,特别是他与夫人亲昵的系列作品,因以色情、暴露之嫌自然地引起不小的争议。

杰夫·昆斯是80年代中期升起的艺术之星,他以准确精致的日用品的复制品、可爱的卡通形象以及充满想象力的大众图象组合不断地给世人带来一个又一个新的视觉冲击,他是当代波普艺术的探索者。杰夫·昆斯毫不犹豫地汲取了艺术史上的一切养分,达达主义、杜尚手法、极少主义以及早期波普艺术都成为他参考与借鉴的源泉。他高举与大众交流的大旗,勇于向”高雅”文化叫板,向传统美学的等级理念挑战。

昆斯的作品总能带给大部分人愉悦的感觉。他给人留下深刻印象的作品包括玻璃罩中的吸尘器、水族箱中的悬浮篮球、镀金的名人像、不锈钢或陶瓷小玩意儿等等,但这些东西在艺术评论家眼中简直是光怪陆离。一部分昆斯的拥戴者对他也是爱恨交织。昆斯常常既让他们“恶心”,又让他们“兴奋、愉悦”,但他们所不能否认的是昆斯的确是当今美国最受欢迎的艺术家之一。

《悬挂的心》

艺术记者Arifa Akbar在《独立报》(The Independent)中这样写道“在这个艺术家不会被看做明星的时代,昆斯却花费了很多精力,通过雇佣一个形象顾问来培养他的公众人物角色。” 通过展示Matt Chedgey的摄影作品“在国际艺术杂志的广告中,他把自己裹在满是成就的礼服中”并在访谈中指出“自己只是在第三人的位置上”。

昆斯早期的作品都是一些概念形式的雕塑,比如说《平衡》(The Equilibrium)系列,其中有一组是三个篮球漂浮在装了一半蒸馏水的玻璃水槽内。

昆斯后来转作雕像,被放大的不锈钢玩具,在那之前是《平凡》(Banality)系列,这个系列以1988年的《迈克尔·杰克逊和鲍比》(Michael Jackson and Bubbles)结束,这个作品有三个人的大小,歌手和鲍比坐在由金叶托起的瓷器中,鲍比是他的宠物猩猩。

2001年,昆斯着手制作了一系列叫《乐逍遥》(Easyfun-Ethereal)的画作,在他的监管下由助理们把比基尼女郎,食物,还有风景拼贴在一起。

在学术策展人、收藏家及其他艺术世界,昆斯的作品都被贴上新波普或后波普的标签,是80年代的极简主义和观念主义在过去十年的延续库。昆斯坚持这样的观点:“观者可能在第一次看到我的作品时讽刺我…但我根本没有看见。讽刺是缘于过多的批判的思想。” 昆斯的关键所在就是拒绝在他的作品中放入隐藏意义。意义只有你乍看之下所觉察到的那样;作品本身的样子和你体会到的之间没有差距。

他把无耻的庸俗的作品提升到大雅之堂受到争议,并利用跨媒介的手段,例如,安迪沃霍尔的汤罐头。他的作品《气球狗》(Balloon Dog)(1994 – 2000)就是基于气球能够扭制成一只玩具狗。
  他的雕塑与以前雕塑主要有两方面的不同之处:
  ·由金属制成(给气球的外表漆成亮红色)
  ·超过了10英尺(3米)高。

艺术展:家中的艺术变迁

主题/概念:家中的艺术变迁
日期:2020年3月15日
观众:我的家人
预算:无
介绍:本次展览的作品都来自我和妈妈。这些作品都是在不同的时间完成的,有些作品的完成时间甚至隔了好几年,自然我们完成这些画作的时候,所处的年龄段也不一样,对这些画所寄予的感情也不一样,看上去它们之间并没有任何的相似之处,但实际上它们却保存了我们最为珍贵的笔触,天马行空的想象,以及一次次对于艺术的尝试。这个展览主要是面向我的家庭以及了解我的人,因为这些作品给我带来的更多是对于以前自己的回忆。看着自己的绘画是如何变成现在这样的,在当时我又是如何运笔挥洒自己的想象。另外,现场的布置也是由我们两个共同完成的,我们试图让展览场地变得更加好看,在摆的过程中也下了很多功夫,可以说整个展览就是一件艺术品,也可以说它就是我们家艺术变迁的缩影。

邀请人员:我、父亲、母亲

研讨会:

我:关于这一次的展览题材较为小众,并且面向的人群也极其有限。虽然说拥有种种限制,但是这却是在家里面所能拿出来的最好的展览。这些画已经在我家里面摆了很多年了,平常我们基本上都没有时间去仔细的观察、观看,只是把它们的存在当成了理所当然,但是如果现在把它拿出来加以装饰和摆弄,我们自己也沉下心来,仔细观察,它会变成一个我们所忽略,同时也忘却了的回忆。仔细回想,还能记起当时的样子,它承载了我少年时的笔触与梦想。

妈妈: 家是彼此照亮的地方。看到家中这几幅画,也闪现出和家人一起生命相伴的日子。 疫情期间,通过女儿用心地艺术策展,让沉闷的生活又闪现出温暖的色彩。

现场安装场景/开幕场景:

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回顾:

这些作品已经陪伴了我们很长的时间,这次的展览让我们又一次重新注视了他们,他们包含着我们多年来的回忆,画的概念已经逐渐抽象了,现在它们更像一个见证了家庭的变化,我的成长的符号与象征。

参与艺术:花

背景:上周四因为妈妈要给他们学校的老师准备花,我们全家上山到了一个花园里去参观,还买了很多花。我和妈妈都很喜欢花,基于这点,我便设计了这个参与艺术。(由于这个东西只需回答问题即可,所以没有过程图片)

花园实景:

家庭实景:

参与艺术:参观花园后,你对于花园的布局,样貌,以及我们带回来的花有何感想?你认为花可以给我们的家带来什么影响(无论好坏)?你看到这一幕,想到了什么灵感与点子?你认为可以用花来做什么设计与艺术(需附上图片,花限定家里有的)?请回答,并附上你认为可以代表艺术设计的图片。

妈妈:
关于“花语赋爱”的参与艺术行动思考:

【一、花缘:设计缘于情感】2020年猝不及防的疫情把春天挡在了门外,我们的任务是去要把春天带回来,并送给更多宅家的人。3月5日,趁着女儿课余空闲,一家人戴着口罩驱车1小时,前往山里的郁金香花园,为宅家教学的老师们挑选郁金香作为三.八节礼物,也让郁金香花主免去花自凋零,孤芳自赏的焦虑,更为咱们沉闷的家增添春的气息。

老师们收到花后的照片:

【二、花语:设计赋予价值】纵观自然界,花只是其中之一。花的形、色、味都异于茎叶。花开是过程,也是结果。植物的延续,都是依靠花开结果,粉授传播来进行的。花开花落,既是生命的轮回,也是时间的印记。于是“花”自古被人用诗词歌赋来称颂乐道。渐渐地“花”也成了人们传递爱,向往美的媒介和寄托。“花”也逐渐建构起了自己独特的价值体系。咱家这次参与艺术的行动,就是希望疫情期间能用“花语”赋予世间更多的“爱”,对自然,对他人,也对自己。

美国著名的塔莎奶奶的花园生活:

【三、花绘:设计绘就生活】花可以一枝成画,也可以一簇塑形,还可以一片造天地。设计时,花和叶要相映成趣,连理为枝,不可偏废。花还可以与山石、水池、雕塑、建筑融为一体。设计要注重三维空间布局,切记满塞平铺,要巧妙运用中国画中的留白艺术。设计还要注重动静结合,把动物,人置于其中,方能让“花”变得精巧别致,灵动盎然。让“花”绘就美好生活,让“花语”述说思想情感。

作品:

迷你小人的家庭活动

作品:《迷你小人的家庭活动》
艺术形式:摄影+绘画(二次创作)
主旨:在我们的房子里住着一群小人,他们住在我们看不见的地方,也因为这样,我们不知道他们会干什么。他们喜欢什么?他们的家庭究竟是怎样的呢?平时都会做些什么?让我们来看一看他们的家庭日常吧!

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思考的问题:
How do you describe your home ?
 您如何形容您的房屋?
我认为我的家是很好的避风港,我在屋子里很自在与放送。

What do you always do at home ?
 你总是在家做什么?
看书,听歌,做作业,思考,复习知识,锻炼……

What does home mean for you ?
 家对您意味着什么?
家对于我来说是一个很好的地方,我在家里很有安全感。

Where is your home ?
 你家在哪里 ?
重庆市沙坪坝区。

How do you feel at home ?
 您感觉如何?
我觉得还不错。

What’s your favorite place at home ?
 您在家中最喜欢的地方是什么?
我自己的房间。

What’s your role at home ?
 您在家中扮演什么角色?
话题的挑起者,父母的孩子,调停者,教导者

What’s your relationship with others at home ?
 您在家中与他人的关系如何?
时好时坏,视情况而定。

What makes a home home ?
 什么使一个家成为家?
一个能让我和家人都放松的场所,我们在家里生活的很快乐。

 In philosophy, psychic, sociology, linguistics, literature, etc, what’s the concept of home?  What kind os theories or phenomena about home are they talking about?  Which one makes you feel most interested in? Why?
 在哲学,心理学,社会学,语言学,文学等方面,家庭的概念是什么? 他们在谈论什么关于家庭的理论或现象? 哪一个让您感到最感兴趣? 为什么?
家庭是指婚姻关系、血缘关系或收养关系基础上产生的,以情感为纽带,亲属之间所构成的社会生活单位。家庭是幸福生活的一种存在。
家庭有广义和狭义之分,狭义是指一夫一妻制构成的社会单元;广义的则泛指人类进化的不同阶段上的各种家庭利益集团即家族。
从社会设置来说,家庭是最基本的社会设置之一,是人类最基本最重要的一种制度和群体形式。
从功能来说,家庭是儿童社会化,供养老人,是满足经济合作的人类亲密关系的基本单位。从关系来说,家庭是由具有婚姻、血缘和收养关系的人们长期居住的共同群体。
中国著名心理专家郝滨认为:“人类的家庭是由婚姻、血缘或收养等关系所组成的社会生活的基本单位”。中国社会学家费孝通认为家庭是父母子女形成的团体。
我对家庭是基本单位这件事情很感兴趣,因为对于大多数人来说,一家三口在一起,这是最幸福的时候,也正是因为父母都在,所以才可以让人如此简单的产生这样的感想。

 If I’m going to make an artwork related to Home, which art forms could I choose? Painting, printing, performance, filming, photography, installations, illustration, garment design, jewelry design …….?
What kind of materials related to home can I use?
如果我要制作与家庭有关的艺术品,我可以选择哪种艺术形式? 绘画,印刷,表演,摄影,摄影,装置,插图,服装设计,珠宝设计……。
 我可以使用哪种与房屋有关的材料?
我认为我可以选择装置或摄影,我可以使用像果壳,纸,瓶子等物品和材料来制作。我也可以二次创作,让图片更有趣。

家中的小世界

我做这一系列的图片拍摄,主要想要表达的主题就是隐藏在家中,那些不为人知的小世界。

作品1:花丛中的小世界

作品2:对不上时间的多余闹钟

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作品3:意外的色彩斑斓

作品4:透过水与玻璃的扭曲世界

作品5:花?种子?

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作品6:凌乱中的世界


你是否也有过这样的情况呢?在家中无聊发呆的时候,偶然间看到一个地方特别有意思,并且你还以它为主题,衍生出了各种各样的幻想,在你不知不觉沉浸在幻想中的时候,时间便这么过去了。


我这些图片全部都是在我在家中无聊发呆的时候,常去的地点拍下来的,我认为这些都十分有意思,甚至你可以一直盯着它消磨大量的时间。明明它们都是我们生活中最常见的东西,但是在不同的情况下,以不同的心境来看,从而产生了不同的感受。


我常常怀着这样一个想法:物体本身是没有任何含义的,只有当我们赋予它意义的时候,它才会真正具有那个意义,甚至在不同人眼中,物体的意义也是各不相同的。可以说我们日常生活当中平常的东西,在不平常时间去看它,它也会变成反常。平常与反常的定义实际上很简单,只要你自身那样认为就可以了,所以就算在家中也有无限乐趣。

《The story of art》读后感

The story of art

After watching the classical western art to have a general understanding, early painting artists thought the church, rich creation health, painting theme is a little simple, religious stories accounted for the majority of the portraits, there are many. Some parts of modern art in the 20th century are difficult to understand, and the author’s evaluation of this period is vague, perhaps because it is not far enough away to judge.


The author is very good at weaving events into stories. The language used to describe complex historical processes is discreet and appropriate. Choose the picture carefully, before and after the picture often can establish interesting reference relationship. The printing in English version has no chromatic aberration and can show details.
Expanding the so-called concept of art, not only beautiful beauty is art, but also not the most real art. Too true too rigid, only the pursuit of beauty also limits the creation.


The development of art is closely related to contemporary beliefs, politics, class status and so on. And the inheritance and breakthrough of art is inseparable from those always full of enthusiasm and fighting spirit of the artists. It’s been a wonderful and exciting journey.


In the reform and breakthrough, I still admire manet and monet’s impressionistic painting school most. Although brunelleschi’s perspective shocked the whole of Europe, and leonardo Da Vinci’s scientific anatomy restored the more real lines of the human body, I always felt that this was an inevitable degree in the development of painting, and it was a smooth process in the mode of thinking. But the emergence of impressionism completely jumped out of the original frame, no longer painting every detail that the eye saw, but painting a whole picture that the mind felt, such thinking has absolutely great subversive, worship ing.

看完对古典西方艺术有了大概了解,早期的绘画家以为教堂、有钱人创作卫生,绘画题材略显单一,宗教故事占了一大半,人物肖像也有不少。二十世纪现代艺术的部分,有些还挺难以理解的,作者在对这一段时期的评价也挺模糊,可能是正处在这个年代离得不够远不好判断。


拓展了所谓的艺术的概念,不是只有好看的美的才是艺术,同时也不是最真的才是艺术。太真过于死板,只求美也对创作限制。
作者将事件(event)编织成故事(story)的功力非常厉害。论述复杂历史过程的用语谨慎恰当。选图用心,前后文的图片往往能建立有趣的参照关系。英文版的印刷大致没有色差,能显示细节。


艺术的发展,总和同时代的信仰、政治、阶级地位等等有着密不可分的关系。而艺术的传承与突破又离不开那些始终充满热情与斗志的艺术家。看一路演变,奇妙又激动人心。

一次次的变革与突破中,我个人还是最为佩服马内与莫奈的印象画派。虽然布鲁内莱斯基的透视法震惊了全欧洲、达芬奇的科学解剖还原了更真实的人体线条,但总觉得这都是绘画发展中必然会到达的程度,在思维模式上顺利成章。但印象派的出现,完全跳脱出原先的框架,不再是画出眼睛看到的每个细节,而是画出脑中感受到的一整个画面,这样的思维具有绝对伟大的颠覆性,膜拜ing。

《艺术的故事》整理笔记1

※:一切资料都是我自己看书还有在网上收集了资料总结而来。

    以下为每章节的整理归纳:
1、奇特的起源(史前期和原始民族;古代美洲)
    绘画雕塑的出现并不仅仅被当作纯粹的艺术作品(当时的原始民族甚至应该没有艺术的概念),他们的出现往往被当作有明确用途的东西。如果我们不完全了解过去艺术必须为什么目的服务,也就很难理解过去的艺术。同时,从许多部落留存的艺术作品中,我们也不难看出:整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史,而是观念和要求的变化史。

2、追求永恒的艺术(埃及,美索不达米亚,克里特)
    埃及可以算是全人类艺术发展的起源之地。在埃及,早期的雕塑作品是为了保持人类的灵魂,从而得到永生。因此,雕刻家一词最初的本意就是“使人生存的人”。而绘画,是代替了陪葬的真人,在陵墓的墙上作画,是为了让灵魂在另一个世界有得力的伙伴。
埃及的浮雕及画作最大的特点,便是一幅画中会出现多个视角,画家只为了把所有部位的特点,尽可能清晰全面的表现出来。因此,我们看到关于法老的画作,总有着统一的侧面、正面的眼睛、健全的上半身、及两只侧着的左脚(为了突出脚踝)。由于是为了永生的主题服务,艺术品总是神圣并严肃,很难容忍创新的概念,而是将模仿远古的风格推崇到极致。这也导致埃及的艺术几千年里基本毫无发展。唯有阿克纳顿王(Akhnaton)曾做过创新,在浮雕上创造了和睦的家庭画作,但也仅是昙花一现而已。

3、伟大的觉醒(希腊,公元前7世纪至公元前5世纪)
    公元前五世纪左右,艺术家不再一味模仿,而是开始信赖自己看到的情况。于此同时,一项压倒性的伟大发现:压缩法,也为此次的巨变增加了推力。艺术家第一次用透视缩短法,将人物的脚画出了正面的观察角度。他们开始尊重现实的角度,而不再是把所有东西都用最一目了然的形式画入图中。改变只是循序渐进的,希腊艺术家还是严格的遵循着埃及创作时的精美几何布局秩序,只是试图通过人体形象的种种姿势和动态的变化,更多的反应出人物的内心世界。

4、美的王国(希腊和希腊化世界,公元前4世纪至公元前1世纪)
    公元前五世纪临近结束时,越来越多的人已经开始欣赏作品本身的诱人之处,不再仅仅赏识他们的宗教或政治作用。艺术流派间的比较竞争,也无疑刺激艺术家发挥了更大的创作干劲。那时期的雕刻和绘画,开始出现优雅、轻松的性质。动态表现和缩短法已经逐渐流传开来。公元前五世纪,人像的面部从未出现激烈的表情,因为面部的变化会歪曲和破坏头部的简单规则性,而规则性是几千年来创作的基本要素。接近公元前四世纪末,这个限制逐渐解除了。
    亚历山大帝国的奠基,即希腊国土的大规模扩张,必然影响了希腊艺术的性质。这段时期的艺术,我们称之为希腊化艺术(Hellenistic art)。
    在建筑方面,在埃及爱奥尼亚风格基础上,诞生了科林斯风格柱式。
    在雕刻方面,艺术已经大大失去了跟巫术和宗教的联系,艺术家单纯为技术而技术,努力表现一个戏剧性的争斗。狂暴强烈的雕刻作品大量诞生。
    在绘画方面,静物画、动物画、甚至风景画,丰富了原本单一的人物画主题。这应该属于希腊化时期最大的革新。
在这种氛围下,有钱人也开始逐渐收集艺术品。

5、天下的征服者(罗马人、佛教徒、犹太人和基督教徒,1至4世纪)
    随罗马人的攻城略地,在一座座废墟的基础上不断建造起新的建筑,因此罗马人最突出的成就大概是土木工程。罗马结构跟希腊形式或柱式相互结合,对后来的建筑史产生了巨大影响。罗马建筑最重要的特点是拱的使用(典型例子:万神庙 Pantheon)。而罗马时期的肖像,也逐渐趋向逼真但不平凡的风格。
    相较埃及人将攻城略地的故事简单刻板的描绘,罗马人着眼于准确的表现全部细节和清楚的叙事,以使后方的人对战役的神奇有深刻印象。艺术的主要目标已不再是和谐、优美和戏剧性的表现。而是讲求实际的,不再大肆加入幻想元素。教堂的壁画,叙述圣经故事的作用,也远大于其装饰性的效果。力求简单清楚的思想,又一次压倒了要忠实临摹的思想。

6、十字路口(罗马和拜占庭,5至13世纪)
    公元311年,君士坦丁大帝确立了基督教会在国家中的权力,从而教会跟艺术的关系便需要开始重新定位。
    建筑方面,教堂诞生了。由于功能的不同(古代神庙内部只用于供奉神龛,祭典游行在外面举行;教堂需要容纳大规模的人群在内部进行礼拜),教堂的建造仿造了大型会堂形式,名叫“巴西利卡”(basilicas,意思近乎“王宫“)。目前已无保存下来的巴西利卡式教堂。
    雕塑方面,早期基督徒认认为:上帝的所在,绝对不可摆上雕像。
    绘画方面,起初考虑到许多基督徒不识字,为了教导他们,教堂中出现了大量描写圣经故事的壁画。为避免教徒分心,壁画尽可能的简洁明了,埃及人表现一切物体都以清楚为重的思想强力抬头。后来,对教堂壁画的态度在基督徒中分为了两个明显对立派。公元745年,反圣像崇拜者占上风,在东方教会中一切宗教艺术都遭到禁止。对立派格列高利教皇派在一个世纪多的压迫后重新掌权,教堂的壁画再也不仅仅当作不识字人的图解,而是被看作超自然的另一世界的神秘反应。因此拜占庭开始坚持遵循传统:艺术家严格遵照古代模式、强调传统,沿用获准的方式来表现基督或圣母,这是的作品还是非常具有宏伟性和庄严性的。

7、向东方瞻望(伊斯兰教国家,中国,2至13世纪)
    在公元7-8世纪,伊斯兰教也在波斯、美索不达米亚、埃及、北非和西班牙等地兴起。相对于基督教,伊斯兰教更严厉地禁止制像,因此反倒使装饰(人们将精美的花边装饰称为阿拉伯式图案)及东方地毯艺术发展起来。14世纪开始,波斯人和伊斯兰教统治下的印度人开始逐渐为传奇、历史、神话制作插图,而这些插图的形式也受到了之前装饰及地毯文化的极大影响。
    早期中国墓室也与埃及墓室一样,有许多描绘生动的壁画,主要反应生活和民俗。但区别于埃及人几何类的生硬形状,中国则更喜欢弯曲的弧线。国人也将绘画当作一种提醒人们回忆黄金盛世的美德典范,画中飘逸起伏的线条,也赋予了画面运动感。
    由于佛教的关系,中国人十分尊重艺术家的成就(在古希腊及文艺复兴以前的欧洲从未出现过这种情况)。但中国的宗教艺术,并非用来叙述传说,而是用艺术辅助参悟。中国的画家作画方式也因此与欧洲不同。在全面掌握技巧后,才去游历和凝视自然之美,领悟其意境,在综合自己的参悟后,将松树、山石、云彩等组合起来,而非临摹现实那么简单。

8、西方美术的融合(欧洲,6-11世纪)
    大约从公元500年到公元1000年,接近500年的时间里,也就是罗马帝国崩溃以后(一般称这段时间为黑暗时期 Dark Ages),迁徙、战乱和频繁的动荡中,许多不同的艺术风格相互抵触,并发生着巨大变化。修道士在努力保存并试图复兴古代艺术,北方侵略者的艺术观点却迥然不同。
    挪威维京人擅长制作图腾木刻(在7世纪左右起源,但起源地及表达的意思尚不明确),用于行施巫术、驱除妖魔;爱尔兰的克尔特人和英格兰的萨克逊人仿照木结构,用石头建造教堂。
    在绘画方面,中世纪的艺术家开始着眼于在画中表现“感觉到的东西”,而不像埃及人画他们“知道”的东西、希腊人画他们“看到”的东西。

9、战斗的基督教(12世纪)
    1066年,法国诺曼底公爵威廉攻占英国,加冕为英国国王,即威廉一世,诺曼王朝(1066-1154年)开始对英国的统治,并加速了英国封建化的进程(主要是分封土地及建造封建农场)。
    英国新兴的统治者主要是主教和贵族,为了维护权力,开始兴建修道院和大教堂。以上风格在英国被称为“诺曼底风格”,在欧洲大陆称为罗马式风格,自诺曼底入侵起兴旺了一百多年。
    最早的巴西利卡式教堂,用古典的柱子承载着平直的“檐部”。巴西利卡式教堂通用的木质屋顶缺乏尊严,容易失火。罗马艺术中的拱顶设计到大量的技术知识和计算手续,在当时也已失传。因此诺曼底的建筑师研发了一些交叉拱,然后再将其中的三角间隙用稍轻的材料铺满。达勒姆主教堂成为第一个“肋式拱顶”教堂。
    这一时期的绘画,倾向于变成一种是用图画的书写形式。艺术家可以不用任何空间错觉、戏剧性动作,而用纯粹装饰性的方法来安排人物和形状。这种简化手法的恢复,给了中世纪艺术家去实验更复杂构图形式的自由。同样,图画或彩色玻璃窗上人物的色彩,也摆脱了对自然的模仿,传达出超自然的观念。

10、胜利的基督教(13世纪)
    12世纪后半叶,哥特式风格开始逐渐在法国形成。从建筑开始,逐渐影响到雕塑,最后影响到绘画。
    建筑方面,在交叉拱的基础上,修长的立柱和细细的肋代替了沉重的石头墙壁,并迎来了大的彩色玻璃窗。由于罗马式的圆形拱顶总要求达到特殊的高度,哥特式建筑便取消了圆拱并改用两段接在一起的尖拱,可随意变化高度。同时,由于立柱不足以承受高高的中殿拱顶石块的压力,建筑者又创用了“飞扶垛”。轻巧、优雅、高高耸起的哥特教堂,替代了沉重、庄严的罗马式教堂。这一建筑观念在德国和英国被争相模仿,但由于 意大利各城市正在作战,一开始并没多少反应。
    雕刻方面,求助于残存的罗马墓碑和凯旋门,雕刻家掌握了失传已久的古代艺术手法,使躯体结构展现在衣饰皱褶之下。公元5世纪的希腊艺术家主要关心怎样构成躯体美丽的人像,而哥特艺术家将这种诀窍视为一种手段,从而达到把宗教故事叙述的更令人感动和信服上,使信徒能从中汲取安慰和教诲。
    绘画方面,由于威尼斯之类的意大利城市与拜占庭帝国接触密切,意大利工匠从君士坦丁堡处得到的灵感远比从法国要多得多。因此13世纪意大利教堂还是采用“希腊手法”的庄严的镶嵌画来装饰。由于拜占庭艺术保存了希腊话时期的更多发现,超过西方黑暗时期用的图画写作手法,明暗色调、短缩法的概念才最终被佛罗伦萨的画家乔托.迪.邦多纳发扬广大。其最著名的使湿壁画,他能造成错觉,仿佛宗教故事就发生在眼前。同时,他也是揭开艺术家的名字开始载入艺术史的新篇章。

11、朝臣和市民(14世纪)
    在12世纪哥特兴起的时候,欧洲人口还非常稀少,农民聚居、修道士和贵族主要活动地点为城堡。150年里,欧洲城镇逐渐发展成富饶的贸易中心,市民逐渐摆脱了封建领主的权力约束,贵族们也结束了隐居的生活。
    建筑方面:对于主教堂,建筑者已经不满足于其宏伟外形,而进一步在装饰和复杂的花饰窗上显示技艺,我们称之这类风格为盛饰式;同时,随着城镇的发展,建筑家主要的工作也从教堂转移至非宗教性的建筑,如市政大厅(最著名:威尼斯总督宫)、行会大厅等。
    雕刻方面,虽仍向教堂提供大量石雕,但重点已转移至贵金属的小型雕刻,用于满足宫廷中的个人祈祷。
    绘画方面,14世纪的艺术家开始偏爱优雅的感觉、流畅的曲线和精巧的 细节(称为国际式风格)。意大利南方佛罗伦萨已有乔托的突破风格;意大利北方锡耶纳的艺术家,并没有那么彻底的和拜占庭传统决裂,而是在此基础上注入新的生命。在宗教故事绘画上,中世纪的艺术家把象征事物安排成令人满意的布局却忽略事物的真实形状和比例,但锡耶纳的艺术家却更准确的着眼于人物的关系、空间的距离等;肖像画方面:中世纪艺术家只是使用一个程式化的男女形象,然后写上被画人的名字,但14世纪的艺术家,已开始学习画写生肖像。速写这一习惯,也引导艺术家去研究活生生的动物,并探索视觉法则。这标志着中世纪的艺术彻底结束,文艺复兴时代开始。

12、征服真实(15世纪初期)
    古典时期的辉煌,使罗马帝国成为世界文化的中心。意大利人责怪哥特人把罗马帝国搞垮,故将从古典时期到复兴时期中间的这段的艺术称为哥特式,并把这段黑暗时期称为中世纪。但其实,在哥特时期,复兴就已经开始发展到鼎盛,只是当时的意大利人落在了后面。
    15世纪的头10年,出现一批艺术家深思熟虑得着手创造新艺术。
建筑方面,佛罗伦萨的建筑家菲力波.布鲁内莱斯基突破了哥特式建筑的框架,找到新模式,使之能自由地运用古典建筑的式样去创造和谐、美丽的新式样。其最大成就就是佛罗伦萨的圣母百花大教堂。在他的建筑中,壁柱还原了古典“柱式”的思想,但对建筑结构其实并没有实际功能,只用于表示内部的形状和比例。
    绘画方面。南方(即意大利)从直线透视的框架入手,运用解剖学知识和短缩法去构成人体。布鲁内莱斯基是创造透视法的第一人,并把这一解决方法给予了画家。当时最著名的有佛罗伦萨的马萨乔(原名:托马斯,28岁就死了)画的“三位一体”。意大利人并未沿用当时流行的国际式风格,以凝重、宏伟代替了精巧、优雅,为的是使主题更贴近我们的心灵;北方(法国、比利时等地)通过对细节的极尽雕琢,而达到无比真实的效果。较为著名的是比利时的画家杨.凡.艾克及他创作的巨大的祭坛画和<阿尔诺非尼的订婚式>。由于北方绘画对细节的雕琢耗时较长,便要求他们能用干起来更慢的颜料,经过研究,凡.艾克用油取代了蛋加入颜料粉中,于是油画便诞生了。一般,那一时期的绘画作品,以花朵、珠宝或织品的美丽外观见长的,大约是北方的作品;以鲜明的轮廓线、清晰的透视法见长的,就是意大利的绘画。
    雕刻方面,南方最伟大的是佛罗伦萨的多纳太罗,他使雕塑更具生气、有运动感,却依然轮廓清晰。最富盛名的是雕像圣乔治。那时期开始,艺术家开始请模特儿或艺术伙伴在作坊里做出他们所需要的姿态,以便进一步研究,因此作品才能达到惊人的真实。法国的克劳斯.斯勒特及他的<摩西喷泉>也走上了更为精细的道路,使人物栩栩如生。

13、传统和创新(一)(意大利,15世纪后期)
    15世纪前欧洲各地区间的艺术虽稍有不同,但整体却仍保持同意的风格。15世纪开始,在意大利、佛兰德斯和德国,几乎每个小镇都有了自己的“绘画学校”(从小给画师当学徒的模式),从此逐渐各地区逐渐开始有了自己的风格。
    在意大利,除了透视法的壮大,光影效果也被进一步融入到绘画中,但反应现实的观念在画作中被运用的同时,如何保持画面的统一与和谐又变较难解决。
    建筑方面,也是在古典与哥特中寻找这种的方案。例如阿尔贝蒂在佛罗伦萨建造的鲁切莱府邸,用扁平的壁柱代替了圆柱,而窗户的形式只是把“野蛮的”尖拱弄得圆滑些。

14、传统和创新(二)(北方各国,15世纪)
    15世纪期间北方依然继续发展哥特式风格,直到15世纪末,才逐渐开始进入复兴。
    建筑方面,法国做了哥特式风格的究极进化,一般称为火焰式风格…英国在那个阶段,发展出垂直式风格(建筑上,出现扇形拱顶)。
    绘画方面,北方的艺术不像意大利的艺术那样一心一意想达到和谐与美丽,而是喜爱日益盛行的再现生活的艺术类型。15世纪中叶,印刷术在德国被发明了。版画的出现,加速了欧洲艺术家彼此间的观念沟通。同时,也由于版画在构图上无法容忍不协调和大面积的空白,故其也成为推动北方艺术家发展和谐构图的一大动力。

《艺术的故事》整理笔记2

※:一切资料都是我自己看书还有在网上收集了资料总结而来。

15、和谐的获得(托斯卡纳和罗马,16世纪初期)
    16世纪是意大利的文艺复兴盛期。教皇、贵族间不断争取有名的艺术家为其建筑、作画,以致艺术家的地位不断提高,终于获得了创作的自由。本章具体介绍了多名艺术家,包括:
    多纳托.布拉曼特(1444-1514),建造了四方形的圣彼得教堂,但由于这巨大的建筑糜费了大量钱财,加速了宗教改革运动,导致原定的计划被迫放弃。
    莱昂纳多.达.芬奇(1452-1519),发明了“逐隐法”(即通过把人物轮廓画的不那么明确,仿佛消失在阴影中,来达到变化和神秘的效果)
米开朗基罗.博纳罗蒂(1475-1564),在精通人体方面达到了巅峰。他独自在西斯廷用4年的时间画出了天顶画、建造了圣彼得大教堂的穹顶;
    拉斐尔.桑蒂(1483-1520),所画的圣母形象被广泛接受。对安排人物及构图的处理已经达到了极度完美的程度。他笔下的人物,不再忠实地为自然写照,而是把模特儿“理想化”了,进一步“改善”了自然。

16、光线和色彩(威尼斯和意大利北部,16世纪初期)
    16世纪初期威尼斯画家的发展方向是:色彩。
    威尼斯的主要代表人物为乔尼.贝利尼(1431-1516)、乔尔乔内(1478-1510)、提香(1485-1576)他们巧妙地用色彩和光线统一了画面,并喜欢表现牧歌式的田园爱情故事及描绘维纳斯与仙女的美丽。
    贝利尼最有名的是建造了威尼斯的圣马可图书馆。环礁湖反射的光芒使图书馆鲜明的轮廓变得朦胧不清,调和了他们的颜色。
    乔尔乔内并不像前辈,勾画出物体和人物,然后再把他们布置到空间当中,他实际上是把自然界跟人连同人们的城市和桥梁都想象为一个整体。
    提香在颜色上的驾驭能力可以和米开朗基罗精通素描的方法相匹敌,他无视任何构图规则,而依靠色彩去恢复被拆散了的整体。同时,他的肖像画也透露出单纯、平易的气氛,生气十足,名声远播。
    同时,在意大利北部的艺术家也在寻找着大胆的革新。安东尼奥.阿莱格里(又称科雷乔)(1489-1534)的彩绘教堂天花板和穹窿顶,让人觉得天花板已经打开,一直向上看到天堂的荣耀。

17、新知识的传播(德国和尼德兰,16世纪初期)
    意大利的文艺复兴之风终于影响到了欧洲北部。但北部艺术家在建筑中采用新样式时,往往都是由于那些访问过意大利而且想赶上时代的君主和贵族们的要求而不得不从命。于是他们只是表面上用圆柱等古典意向装饰了本质为哥特式的建筑,做出了一个组合风格。(个人觉得很丑…)。但这种情况,在绘画和雕刻方面,并未出现。
    当时的艺术家,往往忠于旧的方法又热爱新的方法,希望二者兼顾。但那一时期伟大的艺术家,往往都出现在坚持不肯被拖入南方近代艺术运动的艺术家当中。
    阿尔布雷希特.丢勒(1471-1528)德国艺术家,以板画为渠道,充分发挥想象力,将恐怖感完全带入画中。与此同时,他也学习了杨.凡.艾克的精神,耐心而忠实地进行临摹。随着他的名声鹊起,在北方国家对手工劳作者的鄙视的视力眼光,也最终被打破了。
    格吕内瓦尔德是当时一个非常模糊记载的画家,他沿袭着传统思想,用图画来布道。他所作的救世主僵死的画面,非常残酷及恐怖却能让观看祭坛的人沉思一番。他的作品也提醒我们艺术的伟大并不在于新的发现。
    卢卡斯.克拉纳赫(1472-1553),他的成名主要由于跟马丁.路德的友谊。但他的画根本不叙述故事,也没有人物的特点,成了当时相当重大的一个改变。

18、艺术的危机(欧洲,16世纪后期)
    这一时期主要存在的危机有两方面。
    其一是,经过如此鼎盛的文艺复兴,无论从绘画的科学角度、人体肌理角度、色彩运用角度都已经达到了几乎完美的境界,后续的艺术家自觉无法再找到其他的发展突破口。因此出现了无谓的模仿(手法主义:只模仿米开朗基罗等的画法,却不模仿他的精神)或追求异端的创造(想使画“充满意义和智慧”或扭曲人物达到奇异效果)。这种追求新奇性的思路在建筑方面也有所体现。比如安德烈亚.帕拉迪奥(1508-1580)的园厅别墅,四面完全轴对称,但却忽略了人们居住的正常用途。
    其中少有的优秀艺术家,如雅各布.罗布斯基(1518-1594)善于运用奇异的光线和配色,加强了画面的紧张和激动感。他也代表了当时一部分画家的艺术理念:当他们传达出奇特场面景象时,就认为画作已经完成,而不再进行圆润,仔细的修饰。甚至认为修饰会分散画面上的戏剧性事件的注意力。
    另一位多梅尼科.迪奥托克普洛斯(1541-1614)定居于西班牙的托莱多,他的肖像画可以与提香并列。但他对图像的扭曲应用也着实让人印象深刻。最著名的P372的那幅关于圣约翰看七印的揭开。
    第二个危机便是宗教改革运动带来的。许多新教教徒反对教堂里的圣徒绘画和雕像,认为是天主教的偶像崇拜。这导致大部分画家丧失了主要的收入来源,转而只能接受插画、肖像画等工作。其中著名的比如德国画家小汉斯.霍尔拜因(1497-1543)。但逐渐的,宫廷气派的精致优美格调取代了霍尔拜因较为单纯的人物风格,细密画诞生了。
    全欧洲只有一个新教国家尼德兰未受到宗教改革的影响。因为他们不但致力于肖像绘画,凡是新教不可能反对的题材,他们都已有过专门研究。这里的艺术家发展出了风俗画的题材。风俗画的大师有老皮特尔.勃鲁盖尔(1525-1569),专攻农民生活的场面。

19、视觉和视像(欧洲的天主教地区,17世纪前半叶)
    文艺复兴之后,17世纪左右开始逐渐转变为巴洛克风格。
    建筑方面:文艺复兴时期那种圆形对称的教堂建筑观念被认为不适合神圣的仪式而遭到否定,于是设计了一种简单、巧妙的新平面图。最典型的是罗马的耶稣会教堂。这一建筑的里面惊人的将单根的圆柱或壁柱改为双根,用古典中未出现过的卷涡纹将上层和下层连接起来,给予了建筑物必要的聚合性和统一性。
    绘画方面,进一步强调了光线和色彩。漠视了之前一直强调的单纯的平衡而开始偏爱比较复杂的构图。以下介绍两位方法完全不同的代表艺术家。
    第一个:安尼巴莱.卡拉奇(1560-1609),来自波洛尼亚。崇尚拉斐尔作品中的单纯和美,他尽量把关于死亡的主题与死亡和恐怖相脱离,而是尽量的展现纯净与柔美。后续,圭多.雷尼(1575-1642),一位波洛尼亚的画家也投入到该流派,名声一度跟拉斐尔并列。卡拉奇和雷尼及后续的追随者制定出了按照古典雕像梳理的标准去理想化,“美化”自然的方案,这种方案称为新古典派或者“学院派”。学院派中比较著名的大师,是法国人尼古拉.普桑(1594-1665)和克劳德.洛兰(1600-1682)。洛兰把景色全部浸染上金色光线或银色空气,使整个场面理想化了,打开了人们的眼界使人看到自然的崇高之美。英国人,甚至将自己真实的的园林根据洛兰的梦境加以改造。
    第二个:米凯兰杰洛.达.卡拉瓦乔(1573-1610),来自米兰。他追求完全的真实,哪怕真实伴随着丑陋,他的作品也蕴含着大胆性。
    彼得.保罗.鲁斯本(1577-1640),与卡拉奇和卡拉瓦乔同时代的北方艺术家是佛兰德斯人。他在23岁时来到罗马,他赞赏卡拉奇派对古典和神话的绘画方式,同样也赞赏卡拉瓦乔对真实的解剖。佛兰德斯的画家当时都画小幅画,而鲁斯本在意大利养成了以巨大的画幅去装饰教堂和宫殿的嗜好。他的画中,有更多的动作,更多的光线,更大的空间及更多的人。而他的肖像画,因能赋予画面欢快的生命力而著名。由于他那时代在佛兰德斯并不流行苗条身材,于是他的画中就经常出现“肥胖女人”。由于当时欧洲大陆处于三十年战争中,英国处在内战中。于是鲁斯本也经常带着微妙的政治和外交使命,在英国和西班牙之间进行调停。
    凡.代克(1599-1641),鲁斯本的学生。他的画中经常流露无精打采和略带忧郁的心情。符合宫廷及贵族的高贵气质,故一直受到许多肖像画的委托。一般助手按照放在化妆假人上的服装画好被画者的服饰,由他完成头部,故他的肖像画中,人物的衣着总觉得有点刻板和不真实。
    迭戈.委拉斯开兹(1599-1660)西班牙人。虽没去过意大利,但通过模仿者的作品了解了卡拉瓦乔。他的画作开创了风俗画类型,具有卡拉瓦乔的强烈性和观察力。他被19世纪巴黎印象主义奠基者们高度赞赏。

20、自然的镜子(荷兰,17世纪)
    17世纪,欧洲逐渐分裂成天主教和新教两个阵营,甚至影响到了尼德兰等一些小国的艺术。尼德兰南部(今比利时)还是奉行天主教。尼德兰北部(西班牙)大都归附新教。由于新教反对教堂中的偶像崇拜,新教社会中续存下来的绘画分支中,最重要的就是肖像画。
    佛兰斯.哈尔斯(1580-1666)。他的肖像画给人感觉是迅速的“捕捉到”他所画的人的瞬间,人物的姿势也突破了早先的刻板,而显得随意但仍保持构图平衡。当时,军队退役后举办盛大的聚会,并将场面以绘画记录的方式,也变成一种传统,哈尔斯在这样的画中,将多人的肖像画的自然而不做作。
    对那些没有画肖像画天赋的作家,他们不得不先做出画后再寻找买主兜售,于是一个新的公开市场出现了。由于摆摊的艺术家非常多,专精于一个特殊的绘画分支成为打响名气卖出更多作品的重要手段。
西蒙.德.弗利格(1601-1653)荷兰人,擅长海景,也是第一个发现天空之美的人。
    杨.凡.霍延(1596-1656)海牙人,他的风景画都带有静谧和优美,美化了母题。
    伦勃朗.凡.莱茵(1606-1669)荷兰最伟大的画家。他画的一系列的自画像,组成一步独一无二的自传。他的许多画给人的第一印象是深暗的棕色,能更有力、更生动地跟几种明亮闪光的颜色形成对比。同时,在表达人物心灵活动方面,也颇有天赋。那时代的版画艺术中,除了木刻法、铜板雕法、诞生了一种烛刻法,比起上述两种,更自由及迅速。而伦勃朗也是烛刻法版画的大师。他也受到卡拉瓦乔的启示,追求真实美。
    杨.弗美尔.凡.德尔弗特(1632-1675),伦勃朗后一代的画家,画中大都表现简朴的人物正站着独自从事一件简单的工作。他的绘画对物体质地、色彩和形状上的努力,有意的缓和了强烈对比却不使形状模糊。使轮廓线柔和了,却无损其坚实、稳定的效果。
    荷兰的绘画已经完成成为了反应自然的镜子,但艺术家在作画中,也会将本人的嗜好、乐趣和心境反应其中。正是这压倒一切的事实,使荷兰绘画中的静物画分支得以发展,静物画成了画家对专门问题进行实验的奇妙领域。
    威廉.卡尔夫(1619-1693)喜欢研究光线由玻璃反射和折射的方式,因此他的画里就多有闪光的磁器等。

21、权力和荣耀(一)(意大利,17世纪后期至18世纪)
    17世纪前半期,意大利仍在建筑物及其装饰品上打主意,增添眼花缭乱的新样式,到17世纪中期,巴洛克风格就充分发展起来。站在新教的对立面,天主教徒极尽装饰之能事,使那是的意大利艺术,表现了华丽壮阔的舞台效果。
    雕塑方面,吉安.洛伦佐.贝尔尼尼(1598-1680)是那时起主要的雕刻家,代表作品:极乐忘我的圣特蕾莎。他运用描绘面部表情的技术赋予宗教体验以可见的形式,这种强烈的面部表情,一直还没有人在艺术中进行过尝试。同时,不让衣物用公认的古典手法下垂形成庄严的衣褶,而是让他们缠绕、回旋增加激情和运动效果。
    绘画方面,意大利仅仅在风景油画和风景雕版画分支中产生了新的思想。巴洛克风格中对于动作和大胆效果的嗜好表现在其中,同时威尼斯艺术的华丽感、明亮感和色彩感也更进一步。其余方面,18世纪意大利的艺术家主要是一些卓越的内部装饰家,将修道院的大厅粉饰为盛典嘉会的场所,从而出现了不少华丽的湿壁画,但这些富有热情的作品却流于表面,意大利的艺术也逐渐走向终结。

22、权力和荣耀(二)(法国、德国、奥地利,17世纪晚期至18世纪初期)
    1700年前后,可以算是最伟大的建筑时代之一。欧洲的国王君主急于通过艺术来彰显征服人心的威力。即法国路易十四建造了巴洛克风格的凡尔赛宫,欧洲爆发了一阵奢侈的创造热潮,结果促进了欧洲天主教地区许多城镇和风景的面貌改观。欧洲的城堡与教堂的巴洛克风格中加入了大胆的元素,而内饰更是极尽浮华。将每一种艺术形式都卷入这一场放纵的装饰活动,大大丧失了他们独自的重要性。
    安托万.华托(1684-1721),那时期仅有的伟大画家,定居巴黎,37岁死于肺病。他喜欢创作想象中的摆脱了苦难和琐事的生活景象,一种梦境般的美好生活。他的画过分精美而不自然,助长了18世纪罗可可时尚的形成。

23、理性的时代(英国和法国,18世纪)
    正当欧洲国家推崇奢华浮夸的巴洛克风格时,英国还是理性地推崇节制与庄重。
    建筑方面,1666年伦敦大火后克里斯托弗.雷恩(1632-1723)重建伦敦的教堂。他建造的圣保罗教堂立面中没有曲线,装饰中也丝毫不夹杂奇特或异想天开。同时,教堂的内部也完全是盖贵而单纯的装饰,完全没有其他巴洛克风格的大型壁画雕像等。18世纪英国完美的典型并不在城堡而是体现在乡间宅第,后者也严格遵循着古典建筑法则,常用“帕拉迪奥手法”建造别墅,而庭院或花园则主要模仿洛兰的风景画。
    绘画方面,由于新教的统治,绘画最主要的需求也来源于肖像画。但这一分支却往往被霍尔拜因、凡.代克等外国艺术家给抢占。威廉.贺家斯(1697-1764)开始另辟蹊径的着手完成一套套组画,该类画主要用于布道,告诫人们善有善报、恶有恶报。
    乔舒亚.雷诺兹(1723-1792)是后来再出现的迎合英国文雅社会口味的画家。他主要模仿前期画家的高明之处——拉斐尔的素描法、提香的赋彩法等。并多次就艺术的理念发表演讲:“真正的画家不是致力于以作品描摹的精细美观去取悦人类,而是必须致力以他的理想的崇高促使人类进步”。由此可见,在他眼里只有伟大而感人的题材才称得上是伟大的艺术。
    托马斯.庚斯勃罗(1727-1788),他与雷诺兹的想法则大不相同。他的新鲜、朴素的作画方法和雷诺兹可以模仿古代而稍显做作的风格有很大区别。雷诺兹渴望展现历史神话场面,而庚斯勃罗则更爱画风景画。因此他也画了大量的风景速写稿。
    而这时代的法国,贵族式的梦境世界开始隐退,画家们开始观察当代普通人民的生活,从而作画题材也扩展到了平常的故事和逗人的插曲中。
    让.西蒙.夏尔丹(1699-1779)和之前介绍的荷兰画家弗美尔相似,以平静而克制的色彩绘制普通人民宁静的生活片段。

24、传统的中断(英国、美国、法国,18世纪晚期和19世纪初期)
    建筑方面,经过长期的积累,普通人对各种各样的风格已经开始有所觉悟,并开始有意识地选择自己的建筑风格。有人以哥特式风格建造自己的宅第,也有人复兴起希腊式的建筑样式。
    绘画与雕刻方面,古老的师徒受教模式以被真正地学院统一教学替代。绘画的风格和题材的变化,主要由以下三点引起:1)为了增加当代作家的影响力,伦敦的学院开始组织年度展览会,从而迫使艺术家不得不为展出获得成功而努力,由此导致为博得眼球,壮观而做作的作品会压倒单纯而真诚的创作风格。2)法国大革命大大促进了艺术家对历史的兴趣及英雄题材的绘画,促使艺术家在选题时突破了往日狭隘的范围,更多的开始描绘传奇场面、中世纪轶事或当代历史,以此表达对当前政局的态度。3)越洋而来的美国人,并未受到旧大陆的神圣习俗约束而愿意进行新的尝试,也带动了欧洲创新求变的风气。主要代表画家:
    雅克.洛易.达维德(1748-1825)他是革命政府的“官方艺术家”,著名画作《马拉之死》。
    佛朗西斯科.戈雅(1746-1828),西班牙画家,在为宫廷或贵族制作肖像画时,把他们的虚夸、丑陋、贪婪和空虚暴露无遗。可谓前无古人后无来者。同时,戈雅也是注明的烛刻家(那时又出现了既能烛刻线条,又能涂布阴影的新技术:飞尘腐烛法),他版画的大都是巫婆和怪诞的幽灵。这显示了传统中断的最突出的后果——艺术家觉得有自由把个人的幻想画在纸上,以前只有诗人如此。
    威廉.布莱克(1757-1827)英国诗人和神秘主义者,以制作版画为生,也是将梦境带入绘画题材的突出人物,被普遍承认是英国艺术中最重要的人物之一。
    威廉.特纳(1775-1851)英国风景画画家,最大胆的画作《暴风雨中的汽船》,画中寻求动人和戏剧性的效果。而与他同期的约翰.康斯特布尔(1776-1837)却忠实于自己的视觉,在乡间写生的基础上细心加工,风格纯真至诚。

25、持久的革命:19世纪
    工业革命开始,手工让位于机器生产、作坊让位于工厂。艺术上也受到了巨大的震动。
    建筑方面,随着建筑物数量的爆炸性扩张,缺乏可靠的技艺以及莫名其妙的坚持“风格”,导致那时诞生了许多组合式的建筑(整体形状由一位建筑家设计,立面和内部装饰由另一位专攻风格的艺术家设计),伦敦的国会大厦算是一个比较成功的案例。
    绘画和雕刻方面,也因如下原因遭到了打击:
    1)随之前传统的中断,打开了题材的选择范围,于是导致购买人的意愿与艺术家的意愿更容易产生分歧。艺术家或是为了钱而做出让步,或是坚持己见忍饥挨饿。
    2)工业革命的崛起使大批缺乏传统教养的有产阶级走上富裕道路,同时贱货次品的不断产生,公众的趣味大幅度的下降了。
以上的情况,催生了艺术家与公众之间的对立情况。企业家觉得漫天要价的艺术家和骗子差不多。而艺术家留着长发蓄着胡子,强调自己蔑视“体面”习俗的同时,也时不时用作品惊吓有产阶级,试图打掉他们的得意感。
    正如15世纪的改变在佛罗伦萨,17世纪的复兴起源于罗马,19世纪革命的中心就是巴黎。
    19世纪前半叶最重要的保守派画家是让.奥古斯特.多米尼克.安格尔(1780-1867),喜爱古典时期的英雄式艺术。对立面是欧仁.德拉克洛瓦(1798-1863),相信绘画中色彩比素描法重要,想象比知识重要。在两种方式间架起桥梁的是让.巴蒂斯特.卡米耶.柯罗(1796-1875),以新的手法用他的一套颜色捕捉到了风景中的闪烁的光线和发光的烟雾。
    第二场革命,涉及题材。弗朗索瓦.米勒(1814-1875)开始着手画跟现实情况一样的农民生活场面,属于巴比松(巴黎一乡村名)画派。居斯塔夫.库贝尔(1819-1877)在巴黎的一座棚屋开了个人画展,取名《现实主义——G.库贝尔画展》,此次革命由此命名。现实主意鼓励艺术家蔑视程式,把世界画成他们眼睛看见的样子。
    第三场革命,涉及表现手法。代表人物:爱德华.马内(1832-1883)和克劳德.莫奈(1840-1926)。他们发现,当我们在观看自然,看见的并不是各具自身色彩的一个个物体,而是在我们的眼睛里,实际是在我们的头脑里调和在一起的那些颜色所形成的一片明亮的混合色。运动中的物体更是如此,艺术家记录下来的仅仅是在那一瞬间看见的东西而已。1874年他们联合举办了一个画展,莫奈的一幅画编目标为《印象:日出》,由此而把这一派艺术家叫做“印象主义者”。这一革命中,最年长、最有方法的都是之一叫卡米耶. 毕沙罗(1830-1903)。
    印象主义之所以会迅速的大获胜利,主要由于以下两个原因:1)便携照相机和快拍在同一时代兴起,艺术家不得不去探索摄影术无法仿效的原因。2)日本彩色版画的流行。日本人乐于从意外的和违反程式的角度来领略世界的态度,使学院派察觉到身上不知不觉的还保留着多少欧洲的程式。
    不久后,雕刻领域也收到绘画的影响。奥古斯特.罗丹(1840-1917)不重视外形的“完成”而喜欢把一些东西留给观看者想象。

26、寻求新标准(19世纪晚期)
    新艺术运动开始了。
    建筑方面,建筑家开始采用新型材料和新型装饰进行建筑实验。铁和玻璃悄然出现在火车站和工业建筑中间,东方艺术中的弯曲弧线效果也被植入到铁结构中,出现了全新的风格。
    绘画方面。保罗.塞尚(1893-1906)看到当印象主义者专心于飞逝的瞬间时,画面的凌乱感也随之出现了。就如同透视法被发现后,打破布局的僵硬使之恢复平衡与和谐一样的困难。但他最后做到了既使用印象主义的方法,又保持普桑艺术特点的秩序感和平衡感,从而获得坚实而持久的形状。被称为“现代艺术”之父。
    文森特.凡.高(1853-1890)发现由于印象主义屈服于他们的视觉印象,除了光线和色彩的光学性质以外别无所求,艺术就处于失去强烈性和激情的危险中,他创造了一种纯真的艺术,虽然必要时扭曲了物体,但却直接的传达了一种振奋的情绪,给予所有人快乐和安慰。
    保罗.高更(1848-1903)因对当时的社会与艺术的完全不满,而独居塔希提岛,在原始部落中发掘更单纯、更直率的东西。
    塞尚的办法最后导向起源于法国的立体主义;凡.高的办法导向主要在德国引起反响的表现主义;高更的办法则导向各种形式的原始主义。
    同时,随着新艺术运动的展开,追求装饰性的时尚也被带动起来。忠于母题或讲述一个动人的故事已无关宏旨,只要图画或版面具有悦目的效果。亨利.德.图卢兹.劳特累克(1864-1901)及奥布里.比亚兹莱(1872-1898)称为那时非常有名的招贴画艺术和黑白插图家。

27、试验性美术(20世纪前半叶)
    20世纪的建筑已经抛弃了对“美的艺术”的坚持,抛弃了装饰,抛弃了古老建筑的程式甚至严格的对称要求,而是完全遵循建筑的目的。这一点在美国尤甚(因为缺少传统的压力),轮廓清晰、形式简单的现代工业风格逐渐形成。
    绘画方面,为了引人注目,艺术家不得不追求独创性。
    在前人的基础上,表现主义的风格越演愈烈。表现主义者对人类的苦难、贫困、暴力和激情深有所感,认为古代一味追求美的风格难免伪善。爱德华.蒙克(1863-1944)的《尖叫》、凯绥.珂勒惠支(1867-1945)的《需求》、埃米尔.诺尔德的《先知》都用简化的首发增强了表现力。
    于此同时,立体主义的风潮在巴黎掀起,推崇“形式第一,题材第二”。我们发现,图案与立体性始终存在冲突:给予装饰性图案以优先地位时,就牺牲了长期实践的用光影塑造形体的方法。沿袭塞尚的思想,艺术家希望把母题画面组织地尽可能的有立体感,从多个角度来看待和展现同一个事务。巴勃罗.毕加索(1881-1973)描绘的《小提琴》便是如此,一定程度上他重返了我们所谓的埃及人的原则,从最能体现物体独特形式的角度去画它。
    表现主义和立体主义催生了“抽象艺术”。瓦西里.康定斯基(1866-1944)强调纯色的心理效果,强调鲜红颜色怎样像号声一样使我们动心。他展出那些企图创作色彩音乐的第一批作品,开创了后来所谓的“抽象艺术”。皮特.蒙德(1872-1944)最著名的《红、黑、蓝、黄、灰的构图》,也渴望通过清楚而规则性的艺术反应宇宙的客观法则。