※：一切资料都是我自己看书还有在网上收集了资料总结而来。
以下为每章节的整理归纳：
1、奇特的起源（史前期和原始民族；古代美洲）
绘画雕塑的出现并不仅仅被当作纯粹的艺术作品（当时的原始民族甚至应该没有艺术的概念），他们的出现往往被当作有明确用途的东西。如果我们不完全了解过去艺术必须为什么目的服务，也就很难理解过去的艺术。同时，从许多部落留存的艺术作品中，我们也不难看出：整个艺术发展史不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变化史。
2、追求永恒的艺术（埃及，美索不达米亚，克里特）
埃及可以算是全人类艺术发展的起源之地。在埃及，早期的雕塑作品是为了保持人类的灵魂，从而得到永生。因此，雕刻家一词最初的本意就是“使人生存的人”。而绘画，是代替了陪葬的真人，在陵墓的墙上作画，是为了让灵魂在另一个世界有得力的伙伴。
埃及的浮雕及画作最大的特点，便是一幅画中会出现多个视角，画家只为了把所有部位的特点，尽可能清晰全面的表现出来。因此，我们看到关于法老的画作，总有着统一的侧面、正面的眼睛、健全的上半身、及两只侧着的左脚（为了突出脚踝）。由于是为了永生的主题服务，艺术品总是神圣并严肃，很难容忍创新的概念，而是将模仿远古的风格推崇到极致。这也导致埃及的艺术几千年里基本毫无发展。唯有阿克纳顿王（Akhnaton）曾做过创新，在浮雕上创造了和睦的家庭画作，但也仅是昙花一现而已。
3、伟大的觉醒（希腊，公元前7世纪至公元前5世纪）
公元前五世纪左右，艺术家不再一味模仿，而是开始信赖自己看到的情况。于此同时，一项压倒性的伟大发现：压缩法，也为此次的巨变增加了推力。艺术家第一次用透视缩短法，将人物的脚画出了正面的观察角度。他们开始尊重现实的角度，而不再是把所有东西都用最一目了然的形式画入图中。改变只是循序渐进的，希腊艺术家还是严格的遵循着埃及创作时的精美几何布局秩序，只是试图通过人体形象的种种姿势和动态的变化，更多的反应出人物的内心世界。
4、美的王国（希腊和希腊化世界，公元前4世纪至公元前1世纪）
公元前五世纪临近结束时，越来越多的人已经开始欣赏作品本身的诱人之处，不再仅仅赏识他们的宗教或政治作用。艺术流派间的比较竞争，也无疑刺激艺术家发挥了更大的创作干劲。那时期的雕刻和绘画，开始出现优雅、轻松的性质。动态表现和缩短法已经逐渐流传开来。公元前五世纪，人像的面部从未出现激烈的表情，因为面部的变化会歪曲和破坏头部的简单规则性，而规则性是几千年来创作的基本要素。接近公元前四世纪末，这个限制逐渐解除了。
亚历山大帝国的奠基，即希腊国土的大规模扩张，必然影响了希腊艺术的性质。这段时期的艺术，我们称之为希腊化艺术（Hellenistic art）。
在建筑方面，在埃及爱奥尼亚风格基础上，诞生了科林斯风格柱式。
在雕刻方面，艺术已经大大失去了跟巫术和宗教的联系，艺术家单纯为技术而技术，努力表现一个戏剧性的争斗。狂暴强烈的雕刻作品大量诞生。
在绘画方面，静物画、动物画、甚至风景画，丰富了原本单一的人物画主题。这应该属于希腊化时期最大的革新。
在这种氛围下，有钱人也开始逐渐收集艺术品。
5、天下的征服者（罗马人、佛教徒、犹太人和基督教徒，1至4世纪）
随罗马人的攻城略地，在一座座废墟的基础上不断建造起新的建筑，因此罗马人最突出的成就大概是土木工程。罗马结构跟希腊形式或柱式相互结合，对后来的建筑史产生了巨大影响。罗马建筑最重要的特点是拱的使用（典型例子：万神庙 Pantheon）。而罗马时期的肖像，也逐渐趋向逼真但不平凡的风格。
相较埃及人将攻城略地的故事简单刻板的描绘，罗马人着眼于准确的表现全部细节和清楚的叙事，以使后方的人对战役的神奇有深刻印象。艺术的主要目标已不再是和谐、优美和戏剧性的表现。而是讲求实际的，不再大肆加入幻想元素。教堂的壁画，叙述圣经故事的作用，也远大于其装饰性的效果。力求简单清楚的思想，又一次压倒了要忠实临摹的思想。
6、十字路口（罗马和拜占庭，5至13世纪）
公元311年，君士坦丁大帝确立了基督教会在国家中的权力，从而教会跟艺术的关系便需要开始重新定位。
建筑方面，教堂诞生了。由于功能的不同（古代神庙内部只用于供奉神龛，祭典游行在外面举行；教堂需要容纳大规模的人群在内部进行礼拜），教堂的建造仿造了大型会堂形式，名叫“巴西利卡”（basilicas，意思近乎“王宫“）。目前已无保存下来的巴西利卡式教堂。
雕塑方面，早期基督徒认认为：上帝的所在，绝对不可摆上雕像。
绘画方面，起初考虑到许多基督徒不识字，为了教导他们，教堂中出现了大量描写圣经故事的壁画。为避免教徒分心，壁画尽可能的简洁明了，埃及人表现一切物体都以清楚为重的思想强力抬头。后来，对教堂壁画的态度在基督徒中分为了两个明显对立派。公元745年，反圣像崇拜者占上风，在东方教会中一切宗教艺术都遭到禁止。对立派格列高利教皇派在一个世纪多的压迫后重新掌权，教堂的壁画再也不仅仅当作不识字人的图解，而是被看作超自然的另一世界的神秘反应。因此拜占庭开始坚持遵循传统：艺术家严格遵照古代模式、强调传统，沿用获准的方式来表现基督或圣母，这是的作品还是非常具有宏伟性和庄严性的。
7、向东方瞻望（伊斯兰教国家，中国，2至13世纪）
在公元7-8世纪，伊斯兰教也在波斯、美索不达米亚、埃及、北非和西班牙等地兴起。相对于基督教，伊斯兰教更严厉地禁止制像，因此反倒使装饰（人们将精美的花边装饰称为阿拉伯式图案）及东方地毯艺术发展起来。14世纪开始，波斯人和伊斯兰教统治下的印度人开始逐渐为传奇、历史、神话制作插图，而这些插图的形式也受到了之前装饰及地毯文化的极大影响。
早期中国墓室也与埃及墓室一样，有许多描绘生动的壁画，主要反应生活和民俗。但区别于埃及人几何类的生硬形状，中国则更喜欢弯曲的弧线。国人也将绘画当作一种提醒人们回忆黄金盛世的美德典范，画中飘逸起伏的线条，也赋予了画面运动感。
由于佛教的关系，中国人十分尊重艺术家的成就（在古希腊及文艺复兴以前的欧洲从未出现过这种情况）。但中国的宗教艺术，并非用来叙述传说，而是用艺术辅助参悟。中国的画家作画方式也因此与欧洲不同。在全面掌握技巧后，才去游历和凝视自然之美，领悟其意境，在综合自己的参悟后，将松树、山石、云彩等组合起来，而非临摹现实那么简单。
8、西方美术的融合（欧洲，6-11世纪）
大约从公元500年到公元1000年，接近500年的时间里，也就是罗马帝国崩溃以后（一般称这段时间为黑暗时期 Dark Ages），迁徙、战乱和频繁的动荡中，许多不同的艺术风格相互抵触，并发生着巨大变化。修道士在努力保存并试图复兴古代艺术，北方侵略者的艺术观点却迥然不同。
挪威维京人擅长制作图腾木刻（在7世纪左右起源，但起源地及表达的意思尚不明确），用于行施巫术、驱除妖魔；爱尔兰的克尔特人和英格兰的萨克逊人仿照木结构，用石头建造教堂。
在绘画方面，中世纪的艺术家开始着眼于在画中表现“感觉到的东西”，而不像埃及人画他们“知道”的东西、希腊人画他们“看到”的东西。
9、战斗的基督教（12世纪）
1066年，法国诺曼底公爵威廉攻占英国，加冕为英国国王，即威廉一世，诺曼王朝（1066-1154年）开始对英国的统治，并加速了英国封建化的进程（主要是分封土地及建造封建农场）。
英国新兴的统治者主要是主教和贵族，为了维护权力，开始兴建修道院和大教堂。以上风格在英国被称为“诺曼底风格”，在欧洲大陆称为罗马式风格，自诺曼底入侵起兴旺了一百多年。
最早的巴西利卡式教堂，用古典的柱子承载着平直的“檐部”。巴西利卡式教堂通用的木质屋顶缺乏尊严，容易失火。罗马艺术中的拱顶设计到大量的技术知识和计算手续，在当时也已失传。因此诺曼底的建筑师研发了一些交叉拱，然后再将其中的三角间隙用稍轻的材料铺满。达勒姆主教堂成为第一个“肋式拱顶”教堂。
这一时期的绘画，倾向于变成一种是用图画的书写形式。艺术家可以不用任何空间错觉、戏剧性动作，而用纯粹装饰性的方法来安排人物和形状。这种简化手法的恢复，给了中世纪艺术家去实验更复杂构图形式的自由。同样，图画或彩色玻璃窗上人物的色彩，也摆脱了对自然的模仿，传达出超自然的观念。
10、胜利的基督教（13世纪）
12世纪后半叶，哥特式风格开始逐渐在法国形成。从建筑开始，逐渐影响到雕塑，最后影响到绘画。
建筑方面，在交叉拱的基础上，修长的立柱和细细的肋代替了沉重的石头墙壁，并迎来了大的彩色玻璃窗。由于罗马式的圆形拱顶总要求达到特殊的高度，哥特式建筑便取消了圆拱并改用两段接在一起的尖拱，可随意变化高度。同时，由于立柱不足以承受高高的中殿拱顶石块的压力，建筑者又创用了“飞扶垛”。轻巧、优雅、高高耸起的哥特教堂，替代了沉重、庄严的罗马式教堂。这一建筑观念在德国和英国被争相模仿，但由于 意大利各城市正在作战，一开始并没多少反应。
雕刻方面，求助于残存的罗马墓碑和凯旋门，雕刻家掌握了失传已久的古代艺术手法，使躯体结构展现在衣饰皱褶之下。公元5世纪的希腊艺术家主要关心怎样构成躯体美丽的人像，而哥特艺术家将这种诀窍视为一种手段，从而达到把宗教故事叙述的更令人感动和信服上，使信徒能从中汲取安慰和教诲。
绘画方面，由于威尼斯之类的意大利城市与拜占庭帝国接触密切，意大利工匠从君士坦丁堡处得到的灵感远比从法国要多得多。因此13世纪意大利教堂还是采用“希腊手法”的庄严的镶嵌画来装饰。由于拜占庭艺术保存了希腊话时期的更多发现，超过西方黑暗时期用的图画写作手法，明暗色调、短缩法的概念才最终被佛罗伦萨的画家乔托.迪.邦多纳发扬广大。其最著名的使湿壁画，他能造成错觉，仿佛宗教故事就发生在眼前。同时，他也是揭开艺术家的名字开始载入艺术史的新篇章。
11、朝臣和市民（14世纪）
在12世纪哥特兴起的时候，欧洲人口还非常稀少，农民聚居、修道士和贵族主要活动地点为城堡。150年里，欧洲城镇逐渐发展成富饶的贸易中心，市民逐渐摆脱了封建领主的权力约束，贵族们也结束了隐居的生活。
建筑方面：对于主教堂，建筑者已经不满足于其宏伟外形，而进一步在装饰和复杂的花饰窗上显示技艺，我们称之这类风格为盛饰式；同时，随着城镇的发展，建筑家主要的工作也从教堂转移至非宗教性的建筑，如市政大厅（最著名：威尼斯总督宫）、行会大厅等。
雕刻方面，虽仍向教堂提供大量石雕，但重点已转移至贵金属的小型雕刻，用于满足宫廷中的个人祈祷。
绘画方面，14世纪的艺术家开始偏爱优雅的感觉、流畅的曲线和精巧的 细节（称为国际式风格）。意大利南方佛罗伦萨已有乔托的突破风格；意大利北方锡耶纳的艺术家，并没有那么彻底的和拜占庭传统决裂，而是在此基础上注入新的生命。在宗教故事绘画上，中世纪的艺术家把象征事物安排成令人满意的布局却忽略事物的真实形状和比例，但锡耶纳的艺术家却更准确的着眼于人物的关系、空间的距离等；肖像画方面：中世纪艺术家只是使用一个程式化的男女形象，然后写上被画人的名字，但14世纪的艺术家，已开始学习画写生肖像。速写这一习惯，也引导艺术家去研究活生生的动物，并探索视觉法则。这标志着中世纪的艺术彻底结束，文艺复兴时代开始。
12、征服真实（15世纪初期）
古典时期的辉煌，使罗马帝国成为世界文化的中心。意大利人责怪哥特人把罗马帝国搞垮，故将从古典时期到复兴时期中间的这段的艺术称为哥特式，并把这段黑暗时期称为中世纪。但其实，在哥特时期，复兴就已经开始发展到鼎盛，只是当时的意大利人落在了后面。
15世纪的头10年，出现一批艺术家深思熟虑得着手创造新艺术。
建筑方面，佛罗伦萨的建筑家菲力波.布鲁内莱斯基突破了哥特式建筑的框架，找到新模式，使之能自由地运用古典建筑的式样去创造和谐、美丽的新式样。其最大成就就是佛罗伦萨的圣母百花大教堂。在他的建筑中，壁柱还原了古典“柱式”的思想，但对建筑结构其实并没有实际功能，只用于表示内部的形状和比例。
绘画方面。南方（即意大利）从直线透视的框架入手，运用解剖学知识和短缩法去构成人体。布鲁内莱斯基是创造透视法的第一人，并把这一解决方法给予了画家。当时最著名的有佛罗伦萨的马萨乔（原名：托马斯，28岁就死了)画的“三位一体”。意大利人并未沿用当时流行的国际式风格，以凝重、宏伟代替了精巧、优雅，为的是使主题更贴近我们的心灵；北方（法国、比利时等地）通过对细节的极尽雕琢，而达到无比真实的效果。较为著名的是比利时的画家杨.凡.艾克及他创作的巨大的祭坛画和<阿尔诺非尼的订婚式>。由于北方绘画对细节的雕琢耗时较长，便要求他们能用干起来更慢的颜料，经过研究，凡.艾克用油取代了蛋加入颜料粉中，于是油画便诞生了。一般，那一时期的绘画作品，以花朵、珠宝或织品的美丽外观见长的，大约是北方的作品；以鲜明的轮廓线、清晰的透视法见长的，就是意大利的绘画。
雕刻方面，南方最伟大的是佛罗伦萨的多纳太罗，他使雕塑更具生气、有运动感，却依然轮廓清晰。最富盛名的是雕像圣乔治。那时期开始，艺术家开始请模特儿或艺术伙伴在作坊里做出他们所需要的姿态，以便进一步研究，因此作品才能达到惊人的真实。法国的克劳斯.斯勒特及他的<摩西喷泉>也走上了更为精细的道路，使人物栩栩如生。
13、传统和创新（一）（意大利，15世纪后期）
15世纪前欧洲各地区间的艺术虽稍有不同，但整体却仍保持同意的风格。15世纪开始，在意大利、佛兰德斯和德国，几乎每个小镇都有了自己的“绘画学校”（从小给画师当学徒的模式），从此逐渐各地区逐渐开始有了自己的风格。
在意大利，除了透视法的壮大，光影效果也被进一步融入到绘画中，但反应现实的观念在画作中被运用的同时，如何保持画面的统一与和谐又变较难解决。
建筑方面，也是在古典与哥特中寻找这种的方案。例如阿尔贝蒂在佛罗伦萨建造的鲁切莱府邸，用扁平的壁柱代替了圆柱，而窗户的形式只是把“野蛮的”尖拱弄得圆滑些。
14、传统和创新（二）（北方各国，15世纪）
15世纪期间北方依然继续发展哥特式风格，直到15世纪末，才逐渐开始进入复兴。
建筑方面，法国做了哥特式风格的究极进化，一般称为火焰式风格…英国在那个阶段，发展出垂直式风格（建筑上，出现扇形拱顶）。
绘画方面，北方的艺术不像意大利的艺术那样一心一意想达到和谐与美丽，而是喜爱日益盛行的再现生活的艺术类型。15世纪中叶，印刷术在德国被发明了。版画的出现，加速了欧洲艺术家彼此间的观念沟通。同时，也由于版画在构图上无法容忍不协调和大面积的空白，故其也成为推动北方艺术家发展和谐构图的一大动力。