宗教与艺术

题目:宗教(如佛教、印度教、伊斯兰教等)对艺术的影响

Introduction Part

宗教和艺术在许多地方都有着许多共同之处。首先,我觉得艺术和宗教都是在追求着精神上的富裕,而不是在追求物质上的满足。艺术与宗教的关系一直都是非常紧密的。其中一个原因就是宗教对艺术的利用。比如说,在我们都熟悉的中世纪欧洲时期,宗教都占据着至高无上的地位,这也使得宗教艺术几乎取代了当时的世俗艺术,并且影响着各个艺术的发展。当然这种影响力是不仅仅限于欧洲的,同样也传入了中国。并且带给了当时中国艺术的许多影响。所以,宗教可以带给艺术更好的传播和影响,并且让艺术的传播成本变得更低了。

Christianity-ART

首先,我们来说说基督教和艺术的关系吧。说起基督教,我们首先就会联想到一本基督教的圣书—《圣经》。这本书是最能代表基督教的,并且记载了所有有关基督教发展的故事。

《圣经》十字架代表着基督教

《最后的晚餐》就是一幅受到了基督教影响的画作。这幅画是他为米兰格拉契圣玛利亚修道院的食堂所画的一副壁画。这幅画的题材取自《圣经》中的《新约·路加福音》。画面中表现出来了耶稣说出“你们当中有一个人要出卖我”这句话时晚餐的气氛的骤然波动和门徒们各自不同的心理反应。画这幅画的作者达·芬奇巧妙的把握住了瞬间,而在此瞬间又对12个使徒的表神、神态做出了深刻细致的绘制。

《最后的晚餐》
雷奥纳多·达芬奇
拉斐尔

再比如,拉斐尔所画的一副代表作《西斯廷圣母》。这幅画是教皇朱莉亚二世送给皮亚琴察西斯廷教堂黑衣修士的礼品。拉斐尔受人之托为这一教堂的祭坛作画。他画这幅画用了四年,最后他命名为《西斯廷圣母》。

再来分析一下这幅画中的内容。画中的圣母玛丽亚抱着圣婴缓缓从云端降下来,两边的帷幕刚刚拉开,跪着一男一女。画中的这个男人是一位教皇,叫做西斯科特。他穿着金色的锦袍,做出欢迎圣母子的姿势。而另一位跪着的女人是圣母的信徒娃拉。她神态自若,举止安详。还可以看出她的头稍稍往下低,这表示来对圣母子的恭顺。

拉斐尔所画的这位圣母是一位典雅,优雅的平民妇女。我们可以从她的眼神中看出含着蛋蛋的忧伤。但同时,又保持端庄,宁静的仪态。

《西斯廷圣母》拉斐尔

基督教在西方的文化里经历了千年的发展和演变,基督教的精神已经深刻的影响了西方文化艺术的审美和价值观。西方美术已经建立了以基督教艺术审美的价值观。西方美术已经建立了以基督教艺术精神为核心的艺术传统理论。

Buddhism-ART

  佛教在唐代发展到顶峰,佛教的本土化逐渐成熟,以及各宗派以及佛学理论发展成熟。唐代佛窟以及佛窟中的雕塑,是我国古代历史上佛窟建造最为兴盛的时期。无论是规模还是数量、质量方面,都是我国石窟以及石窟艺术的巅峰。石窟内不仅有着各种各样的佛像,还有面积广大而且精美的壁画。这是多种艺术形式结合的精品。

石窟内的艺术作品
石窟
石窟外观

唐代开凿的石窟在敦煌地区的规模是最大的。其中莫高石窟在现有的石窟中,唐代所开凿的石窟就占据了总石窟数的一半以上。

 莫高石窟中的壁画艺术,达到了盛唐的艺术巅峰。可以看出,技法纯熟,形象之生动,境界的宏伟壮阔。这都是任何时代无法比拟的。画家们更近一步通过形态与表情来揭示人物的内心世界。佛陀的形象是最受大家而崇拜的。他保持着一贯的庄严而慈悲的外观,在菩萨的外形上则表现出来了不同的个性。如下,在第172石窟北壁观无量寿经变中的菩萨,她们的神情是如此的专注。她们是正在听佛说法,或是在互相窃窃私语,目光顾盼。甚至有的还在手舞足蹈,不一而足。

第172石窟的壁画作品

(如下)这位菩萨穿着华丽的衣服,神情雍容,体现出唐代贵族妇女的面貌。她是第156石窟中的菩萨像。如同温婉的少女,无限妩媚。唐代画家往往喜欢通过对眼睛的刻画,来表达出不同的表情。要么是沉思、喜悦、或者是开心得意等等… 不同的姿态,展现出不同的风韵。

来自156石窟的菩萨像

佛教,对中国绘画艺术产生了深远的影响。提供了丰富了绘画题材、审美理想、创作目的、创作理念及创作思维等。为形成独具特色的中国绘画艺术作出了不可低估的贡献。

举个例子,水陆画。水陆画是佛教举行的“水陆法会”道场上悬挂的以宗教为题材的宗教画像。是“三教合一”下产生的民俗文化。水陆画是水陆法会的专用品,是中国汉化佛教世俗化的一种独特的表现形式。因而其绘画题材离不开佛、道、儒三教的诸佛菩萨、各方神道、人间社会各色人物,所以水陆画就是佛道、儒三教题材内容融合而成的一种艺术创作,它既有描绘宗教世界的内容,也有反映世俗社会生活。

“水陆画”

中国水陆画所描绘的内容是包罗万象的。其中包括了天堂人间、冥府三界,以及儒、释、道三教中的所有神、佛、仙,还有民间诸神和人间世俗生活。

在唐代,佛教艺术和中国的其他宗教相互融会贯通了环境和气氛。中国唐代的艺术家们充分的利用了这种文化气氛,完成了外来艺术的中国化、与宗教艺术世俗化的转变,从而创造出中国式的佛教艺术,并且逐渐形成了具有本民族特色的艺术形式。最后,毋庸置疑,佛教艺术在唐代艺术中的发展是灿烂辉煌的,同时也是我们值得继承和发扬光大的。

End Part

宗教与艺术都诉诸着人类的精神生活,以各自的方式解释着人类生存的意义和目的。宗教和艺术都是对人类的精神的升华,但两者又各具特色。宗教是对信仰的崇拜,艺术是对生活的无限热爱。由于性质的相同和互补,宗教与艺术的关系也是非常紧密的。艺术在不断推动宗教的发展,同时,宗教也不断的在传播着艺术。

out

最近的出门日常。


这是当时我站在马路边上做presentation。。。
太难了
手上举着电脑
忘记带口罩了。。。
此时此刻像个摇滚明星哈哈哈哈
好久没这样站在马路上了
我从家里醒过来了
我出来了
我复苏了
ye
“色块和阳光”
在出租车上的阳光
喜欢出租车上的阳光
好久没有给指甲上填色块了、
色块、
商场里卖的寿司
终于开门了
好久没有这样吃东西了
第一次去这个地方
一个很符合我的地方
一家餐厅

意外的同学
出租车也苏醒了
我爱色块
阳光让我获得了双重曝光
真美好
大楼的复苏
阴森
第一次在北京看见这样的大楼
走路
人儿的唤醒
公园里复苏场景
一项运动也被唤醒了
好久没见到了!!!!
特兴奋
太兴奋了
我爱蓝天白云
我爱红色
我的手仿佛代替了花儿
谁不喜欢花儿呢?

自我评估Self-evaluation report

“A story between sunlight and me”

在完成这个项目的过程中,我又一次有了很大的突破。

首先,我尝试了许多新的材料,并且,发现了许多新的元素。比如说眼睛、花儿、局部… 在我的作品里,我运用最为多的一个元素就是眼睛。眼睛,在我的这一系列作品中扮演的就是第二个主角。为什么是第二个主角呢?因为最重要的主角是“阳光”。“眼睛”围绕着“阳光“。眼睛仅仅是扮演着跟随。跟随着阳光。

在这一系列作品当中,我的第一个提高就是我突破了以前的创作模式。以前的创作模式是纯凭靠着潜意识,也就是完全依赖于潜意识给我的感觉。而在意识层面,我仅仅能做到不跑题,以及和主题紧紧相扣。但是,在做这个项目的时候,我不再会像从前那样完全依赖于感觉,而是会去选择我的创作方式,并且会去有意识的寻找我需要的元素,以及我需要的材料。我运用到了理性,和意识来创作作品。

举个例子,比如说在我的作品当中,都有“眼睛“这个元素的影子。我选择“眼睛“这个元素,一开始其实是在潜意识里选择的。但是后来,我渐渐的思考出为什么眼睛会吸引我?为什么在这个“我与阳光的故事”里,我会选择运用“眼睛“?

因为,想到阳光,我就会想到它带给我的感觉,它与我之间的感觉。仅仅是我们。前几天看了一部纪录片,叫做《三宅一生:为设计而生》。这部纪录片,也许就是开启我整个项目的一把钥匙。看完这部纪录片,让我爱上了人体,觉得人体是一个很有意思的表达元素,或者也可以说是材料。于是,在这个项目里,我就选择了来拍摄我自己。我自己,就是项目中材料。我自己,同时也是项目中的“第二个主角”。

阳光很刺眼,我无法直视阳光。仅仅因这一句话吧,我就选择了“眼睛“来代表我。所以我把眼睛,命为“第二个主角”。

这个项目不仅仅让我开始尝试运用“自己”作为材料、让潜意识与意识结合,还让我对与主题更加明确,并且对自己的风格更加了解了。

在接下来的艺术创作中,我可以进行更加深入的研究。

我可以去继续探索关于符号,以及会保持对于“人体”探索的兴趣。

Winslow Homer

19世纪的美国

19世纪的美国艺术并不是一个大多数人会去选择关注的话题。这个年代留存的美国艺术作品并不多,但是都对后世有着非常深远的影响。这个年代流行的有风景画、人物肖像画… 

18世纪至19世纪的美国艺术正在从欧洲风格的衍生物,发展出一种突出美国风景的独特绘画风格。在美国,十九世纪是一个增长和变化的时代。在这段时期里,美国经历了许多事情。比如,大规模的扩张、原住民的迁移、战争等….. 艺术,往往都是与时代紧紧关联着的。19世纪的美国艺术家们的创作灵感来源于,通过技术、地理、经济和政治。

【温斯洛·霍默(1836-1910)】

温斯洛是美国风景画画家和版画家,他被认为是19世纪末最重要的美国画家之一。他的作品总是充满着许多属于他自己对事物的情怀。不论是普通人在面对困难所表现出的英雄品格,还是战士或工人之间的同志情谊,他都以水彩的形式表现的淋漓尽致。

温斯洛不像其他艺术家一样,去学校学习画画。他所有的绘画技巧都是自己学会的。正所谓,我们平常口中说的“自学成才”。他最开始的工作是一位广告插画家,随后,他开始画油画。通过他不断创作,和他自己对人生,对自我的不断探索,温斯洛最后以他的画作名扬世界,并且影响了后世的许多艺术家们。

from:Bing

一些他早期的画作

然而,霍默刻画女性的画作如《乡村学校》《修补渔网》都细致入微,体现出他那个时代罕见的对妇女的尊敬和理解。

【The Gulf Stream】《墨西哥湾流》

这幅画作是温斯洛在晚年期间创作的。这是他晚年时期最具代表性的作品,这也使他获得最有力量的美国艺术家称号。这幅画现存于大英博物馆。

他在不同时期创作出的作品风格大不相同。他在年轻的时候会在作品上留下许多世俗中甜美的气息,而且他也喜欢画一些那个时期流行的风景画、人物画。但是,在他创作这幅画的时候,他早已远离世俗之中的喧嚣、繁杂。而是选择在一个很隐蔽的“小岛”中度过了他余生的时光。《纽约时报》还曾经这样描述他:“他摇身一变,成为了美国的鲁滨逊”。

有人说,霍默晚年有着孤僻的性格,所以会选择居住在小岛上。他曾今在英国北海的一个渔村生活了近两年,然后又回到纽约,他曾访问了巴哈马、古巴等地,最终,他选择在缅因州的普鲁斯特海峡隐居。

《墨西哥湾流》在1899年完成了的这幅伟大的作品。这幅画使温斯洛开启了他晚年创作生涯中自己最感兴趣的创作主题。这幅画反映着缅因州海边渔民生活与经历。他用着绘画的方式讲述着故事,并且能将人物坚韧的性格放置于这波涛汹涌的海景中。

他坚持美国本土绘画,但同时也会吸取了法国印象派的一些表现形式,这让他的绘画很多元性。他美国的现代艺术作出了开创性的创作。并且海景画影响了20世纪早期许多画派的题材。许多后人都参照着温斯洛的这幅海景画进行创作。从温斯洛的画作中能看出美国自我文化意识的崛起,而他,同时也成为美国精神的代言人。

《生命线》(The Life Line)1884

十年过后,他在《生命线》这幅作品里,展现出了大海与人类的关系。

在这幅画中,对于人类来说,大海不再是一种美丽的风景、也不仅是一种惬意休闲的环境,而是充满致命的危险。

这幅在1884所绘画的《生命线》讲述了在面对自然灾难面前人们齐心协力的人道主义光芒。在他所营造的画面里,真实地再现了人与大海搏斗的场面,而在其中也透露出人类在自然面前的顽强不屈的生命力。

而相比5年后《墨西哥湾流》来说,这种思索显得太过表面。在后者,他将人与海的关系,上升到哲学层面、对人与自然的关系的追问。

拿不到。

这组作品让我突破了我以前的那个阶段

不再是、无主题,无意识。

而是有主题的无意识

无意识总能带来惊喜

可能创作中最意思的环节就来自于无意识吧

这组作品的材料有:镜子,镜子,镜子与灯 与我。

镜子可以反射

阳光也同样可以。

阳光是如此直接的

但镜子却需要有着理性的操控

理性与感性的结合,才是创造吧。

炽热的、刺眼的、看不清、

它是如此的直接。

灯,在黑暗的地方和阳光有着相同的性质、作用。

我无法否认这一点,因为我曾感同身受。

在做这个实验的时候,我关掉了我房间里所有的光源。

全部。

唯独一盏。

它是光,它仿佛是阳光。

它是希望,但又好像如此脆弱。

黑暗中能看出许多事物的本质

结构

它仿佛有了形体

不再是一个虚无缥缈的东西

不再是一个虚无缥缈的形态

它变得清晰了。

渐渐的,

我靠近了它

就像是朝圣者一般的姿态

与它靠近

我不想以一个普通模样般的走进它

我也不想用多余的东西遮住我本来的面貌

过客,其实不用在意

但,我,好像也不是过客。

Double

与光,同乐。

黑暗、光

两个极端吧

我想在黑暗中让光变的更加清晰点。

照片表达的意义比它本身更为重要。

我不在乎美丑,因为没有美丑

我想让光,更直接一些

没有多余的东西

纯粹

1.A story between sunlight&me

First Experiment 第一个实验作品

一些最初的想法。

这个项目的最初想法来源于最近我去我姐家。(来源于生活)。

阳光,一直都是一个非常普通的东西。普通到每一个人每天甚至都要碰见好几次。它普通到甚至我们已经忘记了它其实多么宝贵。

阳光与我而言就是一个很少见的事物。我很缺失阳光。我甚至都无法形容阳光是什么,因为我见到阳光的次数实在是寥寥无几。

在我的家,我从未见到过阳光的影子。

是的。我家在我活动的范围里,没有阳光。

我来到了我表姐的家。

从我的视角去看,她的家,与我的家,是完全的两个极端。

阳光无处不在

阳光洒满了她的每一个落脚点

我甚至体验到了什么是从早到晚都拥有阳光的感觉、滋味。

每一个房间都会有阳光的莅临

在不同的时间,但给予相同的光。

人们都把阳光比作希望

植物的生命也大多数靠着阳光生存

但与我而言,阳光好像是一个值得珍惜、触不可及的东西。

我不是它的拥有者,我只是一个过客,一个它的追随者。

我像是一个朝圣者,每天都在寻找着阳光的下落…

阳光,

不是我的希望,

不是浇灌着我长大的东西。

阳光于我而言好像连光都不是

它不是一个能把我从黑暗中照亮的东西

不是一个能引导我走向光明的东西。

我与它的关系

好像一直都是模模糊糊的

就像是刚睡醒准备睁眼睛的样子

就像是黑暗中伸手不见五指的样子。

清晰

我知道它从东边升起,从西边落下

我知道它仅仅只在白天出现

我知道它会时时躲在树林里,然后当我坐车路过的时候它会透过树林刺向我的眼睛

我知道我无法与它对视,只能通过转动眼睛的方向用余光扫视….

我知道……

我好像还不知道……

Some art work with sunlight.

Loc.My cousins house

Research “artist”

/Katherine Bernhardt/

这位艺术家的名字叫做凯瑟琳·伯恩哈特。

这位艺术家的创作动机来源于对日常生活的迷恋与探索。从她对作品中就可以清晰的看出来她喜欢通过鲜艳的色彩来表达她自己。

她的作品都是在画布上完成创作的,通过颜料之间的组合搭配使得她可以创造出属于自己的艺术。

她喜欢流行元素,比如说最近很火的粉红豹、火烈鸟等图案都会一一出现在她的作品当中。

她的作品风格来源于非洲织物上面看到的蜡染图案,还有对街头涂鸦的喜爱。

她给了我启发。第一个启发就是颜色。我在欣赏她的艺术作品的时候,首先就被她画面中的颜色所吸引住了。她非常擅长用颜色来吸引观众的注意力,并且让我的眼睛很难去离开她的画面。我不喜欢粉色其实,但是在她的作品中我好像不那么厌倦粉色这个颜色了。第二个启发就是“涂鸦”这个方式。涂鸦就是一种看似非常简单的创作手法。我其实并不是很擅长画画,所以我从来没有尝试过去涂鸦。但是看完了她的艺术创作之后,我非常想尝试,并且很想用这些鲜艳的颜色来表达我自己内心的想法。

/Alexander Calder/亚历山大·考尔德

这位艺术家所用到的艺术创作材料是metal&wire

这两个作品是他的雕塑作品。

他的创作方式就是在不同的金属上面进行绘画“paint sheet metal”.

“paint sheet metal and wire”

我非常喜欢这位艺术家!他的作品我一眼就看中了。这两个雕塑作品都是在巴塞尔展览上面展出的作品。在看这个作品的第一个感觉就是觉得非常的简介明了。不会像是其他作品中的那样繁杂,有太多的信息量而无法找到主题。这位艺术家的艺术作品只看一眼,就快速的记住的他作品的模样。【艺术作品因为为了美观而增添多余的元素。】

他的作品是抽象的,与上一位艺术家不同。他运用抽象的方式来展现了他的想法。在他的作品中,我难get到他在想什么,因为他留下的线索太少了。但是,与此同时,他的作品可以让我产生出许许多多有关自己的联想、想象。他的作品就像是一个导火线,引起了我脑海中好多的联想,和回忆。【我想,好的艺术作品一定是可以让每个人都通过欣赏艺术家的作品来产生属于作品和自己的连接。】

/三宅一生/

三宅一生的折纸系列是我见到过最令我吃惊与崇拜的艺术作品之一。

三宅一生,是一位艺术家,同时,也是一个服装品牌。他的艺术材料就是布,他的艺术理念是“一块布”。【他的艺术作品就是把商业与艺术完美的融合在了一起。】在我看来,真的是完美。我以后,或许会朝着他这样发展我自己的艺术生涯。(想的太远哈哈哈)

他的作品,可以让我一眼就分辨出来是不是他的。因为他的作品真的是太有独特性了。【在明确了自己的艺术风格之后,要让自己的作品变得独一无二。】没有人能模仿他,因为没有人知道他的下一个想法是什么。他总能想到令人意想不到了设计。并且,这些设计往往都来源于生活。生活与艺术,被他完美的融合在了一起。看完他的设计,让我对生活与艺术之间的连接,更加开阔了我的视野。并且,我很想尝试运用服装,或者说,布料来创作我的艺术作品。让图片,和布料进行结合,应该会很好玩呢。

/Ben zank/

Benzank的摄影作品带给我了太多的启发。看完他的摄影作品之后,我一直都在尝试拍摄人体。比如说最近我特别喜欢拍摄我自己,这就是受到了他的启发。他的构图,他对于构图的巧妙之处也带给我许多灵感。比如说利用错位来拍摄出特别有意思的照片,让人看着觉得非常神奇(图一)。

/薇薇安迈尔 Vivian Maie/

我最喜欢的摄影师。

她的作品让我爱上了摄影。爱上了利用光影来拍摄照片。她对生活的感知力是极其的敏锐的。这一点也是启发到了我。这让我在做任何一件事情的时候,都会留一个心眼儿,并且去记录生活当中的细节们。影子,在她的作品中总是频繁出现,这也让我爱上了影子。这个元素直到现在,都是我最热爱的元素。