达达诗·探索组合和荒谬性

一开始在制作拼贴诗的时候,有点磕磕绊绊,不知道自己的诗应该表达什么。句子可能不是很通顺,而且读起来也怪怪的。做出来的句子读起来很怪,也很好玩。 第二首诗我找了英文的素材,是一本学校的招生手册,里面提到关于疫情期间的管理和政策。我就用里面关于疫情的词语:2022,生活life,Covid-19来讲述了疫情发生的一些消极的态度。比如:“学习不是一条成功的道路。” 这是一首谈论诗歌和歌唱的诗,尝试创造一种悲伤,宽广的情感。比如使用”无奈“,”世界“,”歌唱,远行“等词语 在第四篇的创作时,我发现仅仅用人的对话就可以塑造一种神秘而又荒诞的小故事。隐藏对话两人的身份反而让人有了更多想象的空间。 在衡量拼贴的大小对整个版面产生的效果。比如使用一个特别大的字块就能创造一种不平衡的感受,在观者第一眼看到时就吸引目光 这一篇写的时候,发现主语和谓语的关系如果和用来描述关系的动词相反的话,也会有特别的效果。猎人本来应该是捕杀动物的人,却成了“被人捕杀。“的关系。 当我看到有一张书籍的夹页里有简单的儿童水彩画时,就将两个简单的形象剪了下来,用作句子的主语来使用。 字词的排练组合 – 这一篇的拼贴只使用了2个字和4个字的词汇来排列组合。一共四句,每一句都按照 2-4-2-4的方式排列。虽然说没有形成一个主谓宾的句子,但是也很有意思 素材截取自一段关于共产党员的小故事。我将几个主语和动词随机交换了位置之后就有了这首诗的雏形。 最后一首诗是来自安迪·沃霍尔的展览信息,里面有很多关于艺术,展览,消费,波普艺术的内容。我将它们结合,形成了比较严肃的诗词内容

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关于人体的一些创想:反转的表面

亨利摩尔( Henry Moore)从小就是一个讨厌传统技术的雕塑学生。虽然说很欣赏古希腊时期,以及中世纪的雕塑,但是当他的老师要求他使用pointing machine(锻尖机)来复刻一尊人物雕塑的时候,他并没有采用pointing machine而是收到了Constantin Brancusi, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska 和 Frank Dobson,几位原始主义(primitivism)的大师影响,他选择采取直接雕刻(Direct Carving)的方式,并且仿造了锻尖机会在大理石上留下的凹槽来交差。 之后的亨利摩尔在一次艺术考察中在博物馆中看到这件来自中美洲的雕塑,深深的打动了他,并且影响了他之后作品的走向. 再次之后,摩尔产出了一系列关于躺卧的人的雕塑。放弃了传统雕塑的繁琐的细节之后,摩尔的雕塑注重整个人体的动态,夸张人体的动态姿势来创造奇特的效果。 在伦敦皇家艺术学院任教的7年,摩尔创作出了他的第一个公开展览作品《西风》 亨利摩尔最启发我的点就是对于具象描绘的舍弃,继而追求人体的流动性。他的雕塑表面都十分的光滑,完美的描绘了人体的轮廓的美,以一种特殊的平衡构建而成的美学,是摩尔独有的对形式和体块的鉴赏力。 看完了摩尔的作品之后我大受鼓舞,立刻就开始了对基础形状无目的创作。 我没有选择对着人体的某个部位做临摹,而是一边探索着手里的材料的同时,也在沿着摩尔的路线继续往下走,看看会发生什么。…

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I DO / 时光会说我愿意 主题展

本次行程来到798本来是想看两个展的,但是后面的那个Oh my dog, Oh my cat的展因为去的有点晚,已经闭关了,所以很遗憾,只有I DO展厅的这一个展看成了。 I DO这次的展览是免费的,所以不出所料,有非常多令人反感,廉价,商业化的展品。我还是先说一说我喜欢这个展的部分,在吐槽好了 动画显示了玻璃柜里的两个球,上下移动,分裂。有极简主义的风格。这幅画让我想到了我的一个建筑/艺术老师。他特别擅长用软件制作短的电子视频艺术。他大多数的影像都是复杂的图形,扭曲的光影所结合的 我觉得像这样简单图形,相比于细节的录像带来说,有着更多留给观看者的思考空间。我可以自由解读那两个移动的圆形代表着什么。 前方通道使用了镜子作为虚假视觉的扩张,使得整个走廊比看起来的要长。 整个房间的角落和边缘都堆满了白沙。我觉得这个展品的制作者挑选了正确的材料来表达ta想表达的“感知”。当我走进这间屋子时,气氛变得非常的静逸。身边的白沙想意识一样提醒着我要谨慎小心,细腻的行走。 穿过四季的主题,来到夏的房间时,I DO所表达的方式使用船和莲叶。前方的银幕是航行的远方。虽然说用意是好的,但是这个装置的组合有点僵硬,令人不适。 这是春的展厅,我没有看懂 我最喜欢的展品就是这个,时间的代表物。虽然说在展览中这个装置的寓意可能并不只有时间的含义,但是我就是很喜欢这样的形式。闹钟是计时的装置,也可以用来把人吵醒。将一堆这样的闹钟悬挂在屋顶就仿佛代表着人们所衡量过的时间之和。在闹钟的阶梯中上升,令我感觉我能够穿越时空一样。 最后还是想吐槽一下这个I DO的展。虽然当中有个别的展品还可以,但是依旧是普普通通的水平,没有特别出乎意料的艺术风格和探索,甚至连背后的精神都是为了宣传商业产品。所以教训就是不要对免费的展保有太高的期望,因为它们往往都不咋地。

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Stonehenge Analyzing

Form: Monument Style: Old Ancient 3000 B.C.E.-2000 B.C.E built by ancient blue stone Material: Bluestone(青石) Technique:  科学家们做出了很多关于如何将这么大一块青石从远处的各地运输过来的。假设这些巨大的青石是从威尔士运输至此,而不是另一个学者猜测的通过冰川漂浮过来的。那么通过人力运输,只有可能通过在陆地上的移动来实现这一点。有一次尝试中,很难 1997年,有一个学者安排了个更加巨大的队伍,130组成的实验小组。将木头上涂上油脂。可是光靠这样还不行,为了移动这个40吨重的混凝土复制品,一些人在前面拉,才能勉强移动。但是他们不确定这是否就是移动青石去往25英里之外地点的方式。最后他们不得不使用现代技术。不过至少证明了这是一种可行的方式。 Content: 很多史前历史学家给出的猜测很多都是基于民间的超自然传说。比如梅林有一个巨人帮他建造了这样一个矩阵。石头是有魔法的,或者干脆就是魔鬼建筑的。…

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Come out — Glenn Ligon, Identity

格伦·利根(Glenn Ligon),生于1960美国纽约,概念艺术家。 利根使用的艺术作品在种族,性别,及身份的话题上都很有冲击力。他使用的材料大多都是比较创新的,例如霓虹灯,立体的文字,图画和视频,大多表现力很强,也很直观的表现了他对社会上的不满 “‘Come Out”系列的灵感来自于美国极简派作曲家Steve Reich在1966年创作的同名作品“Come Out”。Steve Reich被委任为一场慈善音乐会创作一支曲子,音乐会的目的是为Harlem Six(6个美国黑人少年在1964年时被错误地指控谋杀了哈莱姆区的一家店主)筹集辩护基金。Steve Reich将焦点放在了Daniel Hamm的录音证词上——Daniel Hamm陈述到他不得不撕开他身上由警察造成的伤口让血流出来,以证明自己受伤了、需要救治——他的创作隔离出“出来展示给他们看”(come out to show them)这句话,不断地在两个同时播放的音频轨道上重复它。类似的,格伦·利根(Glenn Ligon)的画作通过反复手工印刷相同的短语来回应了这出悲剧,重叠的词语层在密度与易辨性也产生了变化。” ——摘自《艺术眼》http://www.artspy.cn/html/news/11/11379.html 两个不断闪烁的America霓虹灯被倒置在地板上,兴许代表着国家背后的不可言说的一面 格伦引用了Gertrude…

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