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这个阶段主要呈现了四个不同的artwork/art series。四个不同的作品理念都大不相同。 水火土木 water fire land plants 这个作品的艺术方式是服装设计。水火土木四种元素皆是我所在的这个星球，地球的基本元素。也是人类生存的基本元素。我把最本质的东西带入了现代的服装设计中。四种不同的肤色代表地球上不同种族的人群；我选取了我认为最适合他们的花纹和元素加入各自的服装设计中。衣服尽可能的体现女性躯体的曲线和美感；四个模特都没有头发，这有两个原因；其一是更好的focus在衣服和造型本身，第二是很多患病的女孩会因为治疗所以失去头发从而感到自卑和丑陋，但是我一直觉得无论是什么样的外貌都是不同的审美或者不同地区、不同时代的审美所致，有一些看似“所谓缺陷”也是美的。 这个作品回归到我们星球和人类存在最本质的东西，把它与现代的服装元素结合。希望可以引起对本质的思考；这个作品的包容性很强，这也是我想要表达的一个点，大众时代审美在局限很多很多思维的活跃，眼光和思维更加宽广才能变得更加包容，包容所有与生俱来的东西或者不同的后天风格。 自拍 Selfie 这个作品由两幅轮廓线稿一样但色彩不同的画组成。其中一幅色彩比较灰暗，是符合大众审美的“正常”穿搭色彩。 另外一幅的色彩明艳，但是对一般的日常穿着显得太过鲜艳跳脱，是“不正常的”。 灰暗却正常，鲜艳却怪异。 创作的过程中一直觉得神奇，都是一样的衣服，只是颜色不同。但是得到的评价就会完全不同，我们每一个人都一直不断的被各种事物影响着，我们被所谓大众审美所影响，被框柱了很多，其实早就习惯了。但是这样的习惯真的好吗？我们是否会变得更加狭隘，对不同风格的接受力和包容力急速下降。 救救我 Help 很早之前就一直有想法要开始做关于特殊患病人群的作品。这次做的是抑郁症。在这三幅图组成的系列作品中，每幅图中的人物形象都不一样；普通的学生，上班族，“不务正业”的非主流。抑郁症每天都在努力的扮演着一个正常人的角色，他们都曾像周边的人发出暗暗的求助“我好像坏掉了，请帮帮我，请听我说”。但是这些求助很多是无声的，我们很多并不能及时get到。在画中的人物没有五官，在用来说话的嘴的位置写了help的红色大字。 都是看似一样的，正常的普通人，或许对于我身边的人要更加细心。觉得难过或者抑郁的朋友希望都能找到那个能够愿意聆听的人。 Please help me 小丑 Joker 小丑是我最喜欢的反派角色之一，也是我觉得最有魅力的角色。小丑不仅仅是荧幕上，书上特定的那个小丑，小丑无数不在。我们每个人心中可能都有那么一个小丑。或许只是深藏着的力量，总会有爆发的那一天。 这幅画我很喜欢的另外一个点就是它汇集了我很多现在喜欢运用的艺术元素。我喜欢在创作时大量使用女性的形象，最喜欢的颜色是绿色。小丑最有标志性的元素就是强行画上去的上扬嘴角，为了体现这个元素所以整个面部只有看似诡异的上扬嘴巴。同时运用了大量喜欢的元素加入这幅画，起到一个很好的抒发也是阶段性总结的作用。

生活中最喜欢的就是热乎乎软塌塌的床啦，枕头和被子的温度总是最懂身体体温的存在。“人们所有的烦恼都是不能呆在自己的房间里导致的”，窝在床上是很幸福的事，在艺术史上有哪些艺术家将“床”这个非常日常的元素带入自己的作品中进行创作呢？他们表达的，可不止只是软乎乎的睡眠。 爱德华·马奈 →《奥林匹亚》。 这幅作品可以说是惊世骇俗的。主人公是当时在印象派画家中很吃香的女模特维多琳·默兰。一般躺在床上的女性裸体画中的女性都是闲适的。但是画中的默兰不同于任何一幅之前的女性裸体画；画面主人公目光坚毅、淡定中还夹杂着傲慢；俨然不再是被看者的形象，而是一个注视着观看者的色情故事的女主角，脚边的动物也不再是温顺倦懒的，而是一只弓着身子蓄势待发的小黑猫。 这幅画中主人公的眼神和整体的风格和细节给我带来的震撼极大，这幅艺术作品也成为了女性主义的经典图像。 文森特·凡·高 →《阿尔的房间》 在这幅画画中占有简陋房间中最大面积的就是这样一张黄色的窗。这幅经典的画描绘了自己在法国南部小城阿尔生活时期所居住的房间。这张床温暖着凡·高作为一个苦行者、梦想家和孤独者的理想愿景，也安置着艺术家陷入困境的灵魂。 床感觉是沉甸甸的，一天积下来的疲累和负能量和我们的身躯一起陷进床中，等着被睡眠过滤。 罗布特·劳申伯格 →《床》 根据艺术史记录，罗伯特是第一个把自己的床作为艺术品的作家。这是一件具有强烈个人性的作品。这是他与同样身为艺术家的塞·托姆布雷、贾思培·琼斯的性关系遗迹。这是一张体现抽象表现主义的床，偶然性不受太多束缚的颜料和强烈尖锐的色彩；可以被看做一件油画作品，悬挂在墙壁上的床既是画布。 这幅画表达的“床”这个元素直接且视觉上狂野且强烈，并且是艺术史上的第一个。这幅作品同时刺激着大脑和瞳孔。 爱德华·蒙克 →《生病的孩子》 这是一张可怕的令人心痛的作品，蒙可在画中描绘了一个躺在床上的濒临死亡的孩子。 这幅画的感染力极强，提醒着人们床同样是大部分人们的永恒栖息之所。它不仅仅是温暖的睡眠，它也可以代表死亡的悲伤和恐惧，沉重的元素。 这四幅不同的画中有不同的内容，却都包括了床这个元素。让人思考写下后打开了很多不一样的视角，当我认定一个元素应该怎样怎样，就会局限很多东西。床不只是温暖的睡眠，它可以让人联想到性、爱、梦想和死亡等等等。床上的人或物品或者单纯的床本身，思维的开阔可以赋予它无数可能。

“抽象表现主义，即宏大的姿态” 抽象表现主义是指一种结合了抽象形式和表现主义画家情感价值取向的非写实性绘画风格。抽象表现主义发展于20世纪40年代中期的纽约，蓬勃于20世纪50年代，为纽约画派领导下的时代风潮。该运动存在着多样的绘画风格，画风多半大胆粗犷、尖锐且尺幅巨大。色彩强烈，大胆且尖锐，对油彩经常不加于过多局限，最终的成品中包含偶然性。 提到抽象表现主义，有一位重要的女士 —— 佩姬·古根海姆。她是一个“富有激情”的女人。一生的top three 就是钱，男人，现代艺术。我光是看到这点似乎就能提起我很大的兴趣，仿佛看到了一个迷人有趣的女性。 这位继承了死于泰坦尼克号的父亲的遗产、情人上百的现代艺术痴迷者，她对现代艺术的痴迷来源于 “一颗永远好奇的心，追求冒险的喜好” 正因为此，促使佩姬在22岁的时候离开了保守的纽约住宅区；前往生活放荡不羁的巴黎闹市，在那里结识了巴黎先锋派，对他们的作品、生活和身体极其爱慕。她开始上手投资英国和法国最新的艺术品，但是在艺术市场的浅尝和开小画廊对她来说已经远远不够了。 “这满足不了她对影响力和注意力的渴求。她想被关注，想被认真对待” 她于是冒出了一个想法。“纽约现代艺术博物馆成立于十年前的1929年11月，从开张就已获得巨大的成功，为何不在伦敦建一所现代艺术博物馆与其抗衡？” 这一段对立着抽象表现艺术的重要发起历史。抽象表现艺术是由美国发起的，美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有关系的。 也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来。 但是由于希特勒的坦克们来搅局，即使抱负远大意志坚的佩姬女士也明白，她无法在一个战火纷飞的时代建立起一个艺术帝国。泰特现代艺术馆在佩姬等了漫长的61年后才建成。 一般人，比如我。不可能为了心中的执念一直不放弃的等待，这也是我从佩姬女士身上深深感受到的人格魅力。 但是战争也带来了一个便利。在纳粹军队在东边集合的时候，她转遍了整个巴黎各个现代艺术的总部，她按照她的伙伴杜尚和里德开出的作品单毫不犹豫的拍下。对当时大部分关张或者濒临关张的艺术家和经济人来说，对于把东西卖给这个富裕的美国人简直高兴到不行。 她的抢购是一种显而易见的投机，以极低的价格购买获得艺术品；也是一次值得肯定的冒险，保护了欧洲一些最好的现代艺术免受纳粹摧残。其中包括费尔德南、康斯坦丁、布拉克、蒙德里安和达利的作品。 她回到曼哈顿安顿下来后，她决定修改自己的博物馆计划，先开了一家叫本世纪艺术画廊的以当代艺术见长的画廊。很多来自曼哈顿的知识界、艺术界和欧洲的艺术移民，他们中间很多人都是超现实主义者，他们都把这个画廊当做了放松的地方。后着就成为了后来引领时代风潮的“纽约学派”。在佩姬的画廊里，欧洲和美国的艺术界碰撞出了火花，现代艺术史上一次新的运动。 也是这里，佩姬通过本来并不起眼的一幅《速记人物》签约了该艺术运动最为重量级的人物Jackson Pollock。让Jackson之后开始全心创造技术，带来了我们今天看到的抽象现实主义的巨作。 看了Jackson的作品之后会发出“哇原来这个是他画的”围绕佩姬女士展开的历史叙述十分有趣，甚至觉得可以了解这样一位有魅力的女性而感到荣幸。

“达达主义是混乱的秩序” 达达主义是二十世纪初的艺术，由一群说德语的无政府主义知识分子发起的。达达主义被评为艺术的新趋势，但是一开始的意图却是针对艺术界的毁灭。通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望，试图以废除传统的美学观念来寻找真正的现实。 “ 追溯到第一次世界大战，最早的那批达达主义者怒火中烧；他们认为，保守势力及其对理性、逻辑、规章和制度的过度依赖是造成一战的罪魁祸首 ”，所以达达将提供的是另一更甚于非理性、非逻辑和无法纪的可能性。 网传达达主义的名字来源是在1916年，一群艺术家在苏黎世集会，准备为他们的组织取个名字。他们随便翻开一本法德词典，任意选择了一个词，就是“dada”。作为一种艺术革命，达达代表颠覆，代表无序，代表反战，反建制，反艺术。更与其他艺术运动不同的是，达达主义不是一种艺术风格。它不是一种画法，不是一种对美的诠释。达达主义是一种态度，一种颠覆一切的态度。 “达达宣言”中说，“达达”是一个没有国界，没有阶级，没有行业的字。你可以是任何背景，任何职业的人，只要你拥抱这种颠覆的态度，你就是达达。 达达主义的艺术涵盖很多方面：戏剧，舞蹈，绘画，雕塑，诗歌等等。达达主义的艺术拒绝传统，拒绝深远的意义，拒绝高级的品位。艺术家们以一种戏虐的，甚至是挑衅的态度，破坏，堆砌，随意组合既有的概念和物品。一战过后的达达艺术家们面对战争的恐惧和信仰的崩塌，他们并没有醉生没死，而选择直面自己心中社会的弊端，颠覆它，改变它。 但是达达主义者们也清楚的知道，达达主义必须处于艺术世界中，它所传达的信息才能产生影响；如果不把达达主义者自己置于他们所强烈反对的艺术主流规则中，达达主义者们也无法获得他们后来所拥有的恶名和影响。 提到达达主义，不得不提到达达主义的领导者：莫瑞吉奥·卡特兰。他的作品“ punki ”【Jolly Rotten Punk】放在美术馆中，他希望punki是从观众群中蹦出来的，“将观众从他们自满且狭隘的世界中摇醒”。他始终承认他的作品依赖于博物馆或美术馆内的环境，换做是其他地方，也不会给人深刻的印象。即使是他的名作“第九时辰”也摆在美术馆里。这里给到我一个全新的视角，关于为什么艺术家们愿意在展览馆中展览他们的画作；艺术家们利用现代艺术博物馆和美术馆在我们社会中享有的崇高地位，提供了一个公众愿意暂时放下不信任，允许一些在其他环境中不被接受或者不给予聆听的事物被诉说、被完成。 回到现在，达达主义在现在的社会是以什么样的形式出现？我觉的可能是一种精神，偶尔打破框架、解放思想的精神和意识，在看似荒诞的作品中透露或表达着关于社会、关于自己、关于现象的理解或陈述。 “以小丑般的行为揭示了生活中的残酷现实”